Икона – уникальное явление древнерусской культуры. Иконография Спаса и иконография Богородицы (типы изображений).

Икона - живописное, реже рельефное изображение Иисуса Христа, Богоматери, ангелов и святых. Христианству на Руси чуть более тысячи лет , столько же иконе. Иконы на Руси появились в результате миссионерской деятельности византийской Церкви. С глубокой древности слово «Икона» употребляется для отдельных изображений, как правило, написанных на доске. Дерево служило основным строительным материалом. Подавляющее большинство русских церквей были деревянными, поэтому не только мозаике, но и фреске (живописи по свежей сырой штукатурке) не суждено было стать в Древней Руси общераспространенным убранством храмового интерьера. Своей декоративностью, удобством размещения в храме, яркостью и прочностью своих красок иконы, написанные на досках, как нельзя лучше подходили для убранства русских деревянных церквей. Главный, центральный образ всего древнерусского искусства –образ Иисуса Христа, Спаса. Традиционно расположены на любом его изображении по обеим сторонам от головы IC XC -сокращенное обозначение его имени -Иисус Христос . Традиционно окружает головы Спаса нимб-круг, чаще всего золотой, символическое изображение исходящего от него света, света вечного, потому и обретающего круглую безначальную форму. Нерукотворный образ, или иначе Спас Нерукотворный, -важнейший образец, которому следовали мастера во все времена. Многочисленны были иконы, воспроизводящие Нерукотворный Образ. Древнейшая из сохранившихся - «Спас Нерукотворный», созданный в Новгороде в 12 веке и принадлежащий сейчас Третьяковской галерее. Очень важным и распространенным типом изображения Спаса «Спас Вседержитель» -это поясное изображение Иисуса Христа в левой руке с Евангелием. Его подтип спас на престоле, «Спас в силах». Этот образ - целый богословский трактат в красках. Всю площадь иконы занимает изображение красного четверика, т. е. квадрата с вытянутыми концами, который знаменует собою землю. Правая рука Спасителя – в благославляющем перстосложении. В левой – раскрытая книга. «Великий Архиерей» -изображение Христа в образе новозаветного первосвященника, приносящего в жертву самого себя. «Спас Эммануил»,—иконографический тип, представляющий Христа в отроческом возрасте. Добрый пастырь-Спаситель изображён в виде пастуха, окружённого овцами, либо с заблудшей овцой за плечами. Условно все многообразие типов икон Богоматери разделить на четыре группы, каждая из которых представляет собой раскрытие одной из граней образа Божьей Матери. Первая группа - тип иконографии "Знамение" (сокращенный и усеченный вариант – Оранта). Связан с темой воплощения. Соединение фигур Богоматери и Христа передает одно откровений: рождение Бога во плоти. Мария представлена в позе Оранты, то есть молящейся, с воздетыми к небу руками; на уровне Ее груди расположен медальон с изображением Спаса Эммануила, находящегося в лоне Матери. Богородица может быть представлена в рост, как на иконе "Ярославская Оранта, Великая Панагия", или по пояс, как в "Курской Коренной" или в новгородской "Знамение". Одежды Богоматери традиционные - красный мафорий и синее нижнее одеяние. Таковы одежды ее на всех иконах (за редким исключением).Одним из вариантов иконографии "Знамение" является "Оранта". Богоматерь представлена без Младенца в той же позе, с воздетыми руками. Примером такого варианта может служить образ "Богоматерь - Нерушимая стена" из Св. Софии Киевской (мозаика, Х в.). Второй иконографический тип получил наименование "Одигитрия", что по-гречески значит "Путеводительница". Фигура Богоматери представлена фронтально, на одной ее руке восседает Младенец Христос, другой Богоматерь указывает на Него, тем самым, направляя внимание престоящих и молящихся. Младенец одной рукой благословляет Мать, в другой руке держит свернутый свиток. ( "Смоленская", "Иверская" (Вратарница), "Тихвинская", "Грузинская", "Иерусалимская"). Третий тип - "Умиление" или"Елеуса". Наиболее лиричный тип. Включает две фигуры - Богородицы и Младенца Христа, прильнувшие друг ко другу ликами. Голова Марии склонена к Сыну, а Он обнимает ее за шею. Здесь Богородица явлена как символ души, находящейся в близком общении с Богом. ("Владимирская", "Волоколамская", "Донская", "Федоровская", "Жировицкая"). Четвертый тип - "Акафистный". Основный смысл икон этого типа - прославление Матери Божьей (фреска Дионисия в апсиде церкви Рождества Богородицы Ферапонтова монастыря.) Большая часть икон этого типа представляют собой соединение центральной схемы предыдущих типов с дополнительными элементами.

9. Основные стилистические направления и тенденции развития в западноевропейском искусстве ХХ века: кубизм, супрематизм, экспрессионизм, сюрреализм.

Кубизм. С 1906. Возник во Франции. Отсутствие цветовой палитры. Только коричневый, черный и серый тона. Принципом стало разложение формы на элементарные составляющие (куб, шар, конус и т.п.). Кроме того, предмет изображался не целиком, а частями и не с одной, а сразу с нескольких точек зрения. Максимально возможное разрушение законов перспективы. Геометрические формы призваны были обнажить некие изначальные «прототипы» человеческих фигур, вещей и мира природы. (Пабло Пикассо, Жорж Брак, Хуан Грис, Луи Маркуси, Фернан Леже).

Супрематизм.С 1910.От лат. supremus — высший, высочайший. Создателем и главным представителем был русский художник Казимир Малевич («Черный квадрат»). Разновидность абстракционизма. Супрематизм выражался в комбинациях разноцветных плоскостей простейших геометрических очертаний (в геометрических формах прямой линии, квадрата, круга и прямоугольника).Превосходство цвета над всеми остальными свойствами живописи. В понимании Малевича, супрематизм — высшая ступень развития искусства на пути освобождения от всего внехудожественного, на пути предельного выявления беспредметного, как сущности любого искусства. (Казимир Малевич, Ольга Розанова, Любовь Попова, Иван Клюн, Надежда Удальцова, Александра Экстер,, Александр Древин, Александр Родченко).
Экспрессионизм. С 1905. Единственной реальностью экспрессионизм провозгласил субъективный мир человека, выражение которого стало главной целью искусства. Экспрессионизм стремился передать напряженность человеческих эмоций, гротескную изломанность, иррациональность образов. К экспрессионизму стали впоследствии относить несколько художественных группировок. Первой была основанная в Дрездене художником Кирхнером группа «Мост». Он создавал произведения, где динамичное, «пульсирующее» пространство сочетается с резкими, нервными контрастами цвета. В кругу экспрессионистов были часты религиозные настроения, граничащие с мистикой. Вторая группа — «Синий всадник» возникла в Мюнхене. Ее главой считают художника Франца Марка. Его динамичные, напряженные по колориту мистико-символические картины выражают неприятие действительности, настроения тревоги («Судьба животных», 1913). Члены «Синего всадника» (Ф. Марк, В. Кандинский, П. Клее, А. Макке) разрабатывали проблемы живописно-декоративной и чисто колористической выразительности, тяготели к абстрактным композициям.

Сюрреализм. С 1924. Провозгласил источником искусства сферу подсознания (инстинкты, сновидения, галлюцинации), а его методом — разрыв логических связей, замененных свободными ассоциациями. Самый яркий представитель сюрреализма испанский живописец Сальвадор Дали.(«Атомная Леда», «Постоянство памяти» (с потекшими часами;). Дали с необычной фантазией соединяет несоединимое и создает парадоксальные образы. Стремится объективировать видения (метод «паранойи»), дать тотальное описание безумия. Бельгийский художник Рене Магрит один из крупнейших представителей сюрреализма, в своих картинах нарочито разрушает пропорции, подобно Дали, совмещает несовместимые предметы или вообще выворачивает образы наизнанку — например, русалка изображена у него как существо с ногами человека и телом рыбы. Другие художники — X. Миро и И. Танги — экспериментируют с техникой автоматического письма, посредством которого подсознание непосредственно выражает себя на бумаге, или создают фантастические биоморфные формы, иногда довольно пугающие.

10.1.Принципы и новаторство живописи импрессионистов. Клод Моне и его последователи.Импрессионизм (Impressionism, франц. impression - впечатление) — это направление в живописи, зародившееся во Франции в 1860-х гг. и во многом определившее развитие искусства 19 века. Центральными фигурами этого направления были Клод Моне, Огюст Ренуар, Камиль Писсарро, Берта Моризо, Альфред Сислей и Фредерик Базиль. Вместе с ними выставляли свои картины Эдуард Мане и Эдгар Дега. К импрессионистам также причисляют Джеймса Уистлера, Хоакина Соролья, Константина Коровина и вклад каждого из них в его развитие уникален. Импрессионисты выступали против условностей классицизма, романтизма и академизма, утверждали красоту повседневной действительности, простых, демократических мотивов, добивались живой достоверности изображения, пытались уловить "впечатление" от того, что глаз видит в конкретный момент.Наиболее типичной для импрессионистов темой является пейзаж, однако они в своём творчестве затрагивали и многие другие темы. Дега, например, изображал скачки, балерин и прачек, а Ренуар - очаровательных женщин и детей. В импрессионистических пейзажах, создаваемых на открытом воздухе, простой, будничный мотив часто преображается всепроникающим подвижным светом, вносящим в картину ощущение праздничности. В отдельных приёмах импрессионистского построения композиции и пространства ощутимо влияние японской гравюры и отчасти фотографии. Импрессионисты впервые создали многогранную картину повседневной жизни современного города, запечатлели своеобразие его пейзажа и облик населяющих его людей, их быта, труда и развлечений.Импрессионисты не стремились к затрагиванию острых социальных проблем, философии или эпатажу в творчестве, сосредотачиваясь только на различных способах выражения впечатления окружающей повседневности. Стремясь "увидеть мгновение" и отразить настроение.Название "Импрессионизм" возникло после выставки 1874 г. в Париже, на которой экспонировалась картина Моне "Впечатление. Восходящее солнце" (1872 г.; картина в 1985 г. украдена из музея Мармоттан в Париже и сегодня числится в списках Интерпола). Там было представлено 30 художников, всего — 165 работ. Молодых художников упрекали в «незаконченности» и «неряшливости живописи», отсутствии вкуса и смысла в их работах, «покушении на истинное искусство», мятежных настроениях и даже аморальности. Моне (Monet) Клод Оскар, французский живописец-пейзажист, один из основателей импрессионизма. 14.10.1840 г. - 05.12.1926 г.Место рождения: г. Париж, ФранцияХудожественное образование получил в Париже (с 1859), занимался в студии Сюиса, некоторое время посещал мастерскую художника академической ориентации Ш. Глейра. В Салоне внимательно присматривался к полотнам К. Коро, Т. Руссо, Ш. Добиньи. Важное значение имело знакомство с молодыми живописцами, ищущими новых путей в искусстве: Базилем, Писсарро, Дега, Сезанном, Ренуаром, Сислеем. В их кругу зародилось ядро нового живописного направления, получившего впоследствии название «импрессионизм» от названия картины Моне «Впечатление. Восход солнца» (1872, Музей Мармоттан, Париж; франц. impression — впечатление), которая экспонировалась в ателье фотографа Надара в 1874, на первой выставке импрессионистов. Клод Моне много работает на натуре, ему важно не просто запечатлеть пейзаж, бытовую сценку, а передать свежесть непосредственного впечатления от созерцания природы, где каждое мгновение что-то происходит, где окраска предметов непрерывно меняется в зависимости от освещения, от состояния атмосферы, погоды, от соседства с другими предметами, отбрасывающими цветные отблески — рефлексы. Чтобы воссоздать жизнь в ее непрестанных изменениях, художник работает под открытым небом, делая на пленэре не только этюды, но и завершая картины. В картине «Дамы в саду» (около 1865, Эрмитаж, Санкт-Петербург), залитой сияющим светом, белый цвет платья словно вбирает в себя все многоцветие природы — здесь и голубые блики, и зеленоватые, охристые, розоватые; столь же тонко разработан зеленый цвет листвы, травы.Моне начинает работать рельефным мазком, передающим трепет листвы, мерцание солнечных бликов на воде, тени от скользящих по небу облаков: «Скалы в Этрета» (1886, Музей изобразительных искусств, Москва); «Луга в Живерни» (1888), «Поле маков» (1880-е, оба — Эрмитаж, Санкт-Петербург). Композицию художник сознательно строит таким образом, чтобы картина производила впечатление случайно выхваченного фрагмента из потока жизни («Бульвар Капуцинок», 1873, Музей изобразительных искусств, Москва).Моне создает серии, запечатлевая один и тот же мотив, в разное время дня: «Руанский собор в полдень» (1894); «Руанский собор вечером» (1894, оба Музей изобразительных искусств, Москва); контуры предметов, объемы начинают растворяться в световоздушной среде.Добиваясь чистоты и звучности цвета, Моне избегает смешивать краски на палитре; чтобы передать нужный ему тон зеленой листвы, художник кладет рядом мазки желтого и синего, на расстоянии они сливаются, «смешиваются» в глазу зрителя, и листья кажутся зелеными и словно трепещущими на ветру («Стог сена», около 1886, Музей изобразительных искусств, Москва). Все эти новшества вызывали неприятие публики и критики. Картины импрессионистов не принимались в Салон, покупались за бесценок или не покупались вовсе. Моне жил долгое время в такой нужде, что не было денег ни на хлеб, ни на краски, и он подчас не мог закончить начатый холст. Свои последние работы — 14 больших декоративных панно «Нимфеи» («Водяные лилии», или «Кувшинки»), над которыми Моне работал начиная с 1918, — он завещал в дар государству: пейзажи с мерцающими водами, лилиями, серебристыми ивами и их зыбкими отражениями заполняют пространство двух овальных залов «Оранжереи» Лувра (Париж).

11.1.Модерн в европейской архитектуре рубежа XIX-XX веков.Модерн— архитектурный стиль, получивший распространение в Европе в 1890-е—1910-е годы в рамках художественного направления модерн. Архитектуру модерна отличает отказ от прямых линий и углов в пользу более естественных, «природных» линий, использование новых технологий (металл, стекло). Как и ряд других стилей, архитектуру модерна отличает также стремление к созданию одновременно и эстетически красивых, и функциональных зданий. Большое внимание уделялось не только внешнему виду зданий, но и интерьеру, который тщательно прорабатывался. Все конструктивные элементы: лестницы, двери, столбы, балконы — художественно обрабатывались. увеличение количества асимметричных и свободных форм зданий, насыщенных функционально-необходимыми элементами – башнями, эркерами, лоджиями и балконами.Пионером модерна считается бельгийский архитектор Виктор Орта. Отель Тассель (1893) – первое в мире сооружение модерна, собственный дом (ныне музей) иллюстрируют успешный опыт применения графических находок для создания новых материальных форм на новом языке. Блуменверф - собственный дом (1986) архитектора Анри Ван де Вельде - еще один основополагающий пилотный проект стиля модерн.Крупный вклад в летопись модерна внесла империя Габсбургов. Венский модерн представлен творчеством Отто Вагнера – Здание почты в Вене (1910), Майолика-хауз (1898). Скромный в декоре и более рационалистический, чем во Франции и Бельгии, венский модерн, также именуемый Сецессион, представлен выстроенным в Брюсселе Дворцом Стокле (1911 г.) по проекту австрийца Йозефа Хоффмана. Выразительны работы славян Яна Котеры и Йозефа Плечника, привнесших в венский модерн оттенок народности.Первой крупной фигурой модерна (Ар-Нуво) во Франции был архитектор Эктор Гимар, по проекту которого сооружены наземные павильоны многих станций парижского метро. Его же авторства дом Мецзара в Париже производит более спокойное впечатление из-за специфики градостроительной ситуации.Более ста лет огромным почитанием окружено творчество и личность испанского зодчего Антонио Гауди, сочетавшего высочайший талант, профессионализм и самоотверженность в своем в буквальном смысле слова непрерывном многолетнем труде. Модерн Гауди имеет абсолютное авторское, неповторимое, беспрецедентное звучание, уводящие его постройки из области не только стиля модерн, а вообще из архитектуры в скульптуру. Выражение возможностей нового для тех лет железобетона в сочетании с тщательной проработкой формы и декора лежит в основе всех его работ. Невероятно эффектные, живописные и одновременно конструктивные постройки Гауди в Барселоне широко известны - Дом Батло (1906), Дом Мила (1910), Парк Гуэль (1914) и, разумеется, собор Саграда Фамилия.

12.1.Культура и искусство эпохи Возрождения: творчество Леонардо да Винчи, Рафаэля Санти, Микеланджело Буонаротти.Наивысший расцвет искусства Возрождения пришёлся на первую четверть XVI века, которая получила название «Высокое возрождение». Работы Сансовино (1486—1570), Леонардо да Винчи (1452—1519), Рафаэля Санти (1483—1520), Микеланджело Буонарроти (1475—1564), Джорджоне (1476—1510), Тициана (1477—1576), Антонио Корреджо (1489—1534) составляют золотой фонд европейского искусства. Леонардо да Винчи - итальянский живописец, скульптор, учёный, инженер и архитектор эпохи Возрождения. Обучался в мастерской Верроккьо во лоренции. Первое наиболее значительное, но оставшееся незаконченным произведением "Поклонение волхвов" В миланский период в трапезной монастыря Санта-Мария делле Грацие выполнил стенную роспись "Тайная вечеря". Из-за особенностей применённой им техники - масло с темперой - это произведение считают вершиной европейского искусства, сохранилось в сильно повреждённом виде. В портрете Монны Лизы "Джоконда" воплотил возвышенный идеал женственности и обаяния. Важным компонентом картины является пейзаж, как бы тающий в холодной голубой дымке. К поздним произведениям Леонардо да Винчи принадлежат "Св. Анна с Марией и младенцем Христом", "Иоан Креститель" и другие. Эрмитаж – Мадонна Лита, Мадонна Бенуа. Записные книжки и рукописи Леонардо да Винчи. Рафаэль (Раффаэлло Санти) - итальянский живописец и архитектор. В творчестве Рафаэля отразились идеалы Высок Возрожд - Ренессанс. Работал в мастерской Перуджино. В нач. 16в жил во лоренции, под влиянием да Винчи и Микеланджело его творчество обрело зрелость- полотно эт периода "Мадонна Грандука". В 1508 г. по приглашению папы Юлия II приезжает Рим. Росписывает парадных залов (станц) Ватикана. В Станца делла Сеньятура нах. творение Рафаэля -четыре сферы человеч деят-сти: богословие "Диспут", философию "Афинская школа", поэзию "Парнас", юриспруденцию "Мудрость, Мера и Сила", аллегорические фигуры, сцены на библю и мифологич. сюжеты. У Рафаэля много заказов, были помощники для декоративных работ. Уровень мастерства последних лет лучше виден в портретах. Получил признание как архитектор, заняв в 16 в.пост архитектора собора Св.Петра. Оказал бол. влияние на творчество художников последующих веков. (Эрмитаж – «Мадонна с младенцем», «святое семейство») Творчество этих художников принадлежит к эпохе Высокого Возрождения. Леонардо да Винчи - итальянский живописец, скульптор, учёный, инженер и архитектор эпохи Возрождения. Обучался в мастерской Верроккьо во Флоренции. Первое наиболее значительное, но оставшееся незаконченным произведением "Поклонение волхвов" В миланский период в трапезной монастыря Санта-Мария делле Грацие выполнил стенную роспись "Тайная вечеря". Из-за особенностей применённой им техники - масло с темперой - это произведение считают вершиной европейского искусства, сохранилось в сильно повреждённом виде. В портрете Монны Лизы "Джоконда" воплотил возвышенный идеал женственности и обаяния. Важным компонентом картины является пейзаж, как бы тающий в холодной голубой дымке. К поздним произведениям Леонардо да Винчи принадлежат "Св. Анна с Марией и младенцем Христом", "Иоан Креститель" и другие. Эрмитаж – Мадонна Лита, Мадонна Бенуа. Записные книжки и рукописи Леонардо да Винчи. Рафаэль (Раффаэлло Санти) - итальянский живописец и архитектор. В творчестве Рафаэля отразились идеалы Высок Возрожд -Ренессанс. Работал в мастерской Перуджино. В нач. 16в жил во Флоренции, под влиянием да Винчи и Микеланджело его творчество обрело зрелость- полотно эт периода "Мадонна Грандука". В 1508 г. по приглашению папы Юлия II приезжает Рим. Росписывает парадных залов (станц) Ватикана. В Станца делла Сеньятура нах. творение Рафаэля -четыре сферы человеч деят-сти: богословие "Диспут", философию "Афинская школа", поэзию "Парнас"юриспруденцию "Мудрость, Мера и Сила", аллегорические фигуры, сцены на библю и мифологич. сюжеты. У Рафаэля много заказов, были помощники для декоративных работ. Уровень мастерства последних лет лучше виден в портретах. Получил признание как архитектор, заняв в 16 в.пост архитектора собора Св.Петра. Оказал бол. влияние на творчество художников последующих веков. (Эрмитаж – «Мадонна с младенцем», «святое семейство»)Микеланджело, итальянский скульптор, живописец, архитектор и поэт. В 1488 г. году Микеланджело поступает учиться в мастерскую одного из лучших мастеров Италии — живописца Доменико Гирландайо (1488—1489), затем занимается у скульптора Бертольдо ди Джованни (1489—1490). Вскоре Лоренцо Медичи, прозванный Великолепным, призвал его к себе во дворец и открыл ему доступ в свои владения, где он смог познакомиться с прекрасной коллекцией произведений античных мастеров. Мальчик практически самостоятельно овладел необходимыми техническими навыками ремесла скульптора. Он лепил из глины и делал копии с произведений предшественников (Джотто, Донателло, Мазаччо и др.). Вскоре он был вызван в Рим. Уже в ранних произведениях — рельефы «Мадонна у лестницы», «Битва кентавров» (1490—1492) — вырисовываются характерные черты его творчества — монументальность, пластическая мощь и драматизм образов, преклонение перед красотой человека. В Риме Микеланджело создает статую «Вакх» (1496—1497). В 1501 г. он возвращается во Флоренцию и работает над статуей Давида (1501—1504). Когда статуя была закончена, комиссия, состоящая из знатных горожан и художников, решила установить ее на главной площади города, перед Палаццо Веккио. В 1505 г. папа Юлий II снова призывает Микеланджело в Рим, где ему поручается создание надгробия папы; работы затянулись и были завершены только в 1545 г. Для надгробия был создан ряд статуй, в том числе «Моисея» и знаменитые статуи «Восставший раб» и «Умирающий раб» Самое грандиозное живописное произведение Микеланджело — росписи плафона Сикстинской капеллы Ватикана (1508—1512). В 1520-х гг. мироощущение художника приобретает трагический оттенок. Главный труд этих лет — возведение и украшение статуями церкви Сан-Лорен-цо во Флоренции, усыпальницы рода Медичи (1520—1534). В 1534 г. Микеланджело навсегда переезжает в Рим. В Риме он пишет огромную фреску «Страшный суд» на алтарной стене Сикстинской капеллы (1536-1541). В произведениях Микеланджело, во многом определивших развитие европейского искусства как XVI в., так и последующих столетий, отразились идеалы Высокого Возрождения.

13. Западноевропейское искусство готики: особенности стиля.

Термин «готика» возник в эпоху Итальянского Возрождения как выражение пренебрежения к искусству тех варварских племён, которые ещё в 5-7 вв заселили западную Римскую империю. Именно на 13-15вв. приходится наивысший расцвет средневековой культуры. Городская жизнь порождает новые типы здания, прежде всего гражданского назначения: биржа, таможня, суд, больницы, склады, рынки и т. д. Складывается облик городского муниципалитета — ратуши.

Как верно замечено исследователями, готика — и кульминация, и отрицание романского искусства. Она явилась как бы итогом длительной эволюции искусства средневековья. Особенно это заметно в культовой архитектуре. Готический храм, сохранив ту же базиликальную форму, что и в романский период, имеет новую конструкцию свода, основой которого является каркасная система с нервюрами. Нервюрный свод перекрывает квадратные, прямоугольные и более сложные в плане пролёты. Стрельчатая арка также уменьшает нагрузку на стены: чем она выше и острее, тем меньше распор. Новый свод привел к неизбежному преобразованию интерьера. Преобладающими в нем стали: грандиозная высота, сравнительно небольшая толщина столбов, по сути, вытеснение стены огромными пространствами окон, что привело в итоге к появлению витража. Скульптурный декор заполняет теперь весь экстерьер. Изменения в архитектуре повлекли изменения в монументальной живописи. Место фресок занял витраж. Готика была полихромной: стены раскрашивали, как и скульптуру. К этому многоцветью добавлялся блеск золота, церковной утвари, сияние свечей. Основные принципы готики: нервюрный стрельчатый свод центрального нефа, стрельчатые окна, аркбутаны. Самым старым считался витраж хора церкви Сен Дени, погибшей в революцию в конце XVIII в. Сюжеты витражной живописи те же, что и скульптурного декора. Главные особенности старого витража — это интенсивная цветовая гамма основных цветов (красного, синего, желтого). Самый большой и высокий готический собор во Франции — Амьенский. Позднеготические сооружения перегружены декором, сложной декоративной резьбой и замысловатым узором нервюров. Феодальные замки в конце XIII в. строились уже только с разрешения короля. Высшей точкой расцвета готической скульптуры является декор Реймсского собора. Немецкая готическая архитектура сложилась позднее французской. Немецкие соборы проще в плане. Особенностью германской готики являются однобашенные храмы, увенчанные высоким шпилем. Наружный декор много сдержаннее, скупее. Пример ранней готики — церковь св. Елизаветы в Марбурге. Кёльнский собор. Германия. Скульптурный декор, как и в романский период, в немецких храмах применяется больше в интерьере, чем снаружи, он разнообразнее по материалу: не только камень, но и дерево, бронза. Фасады английских готических храмов обильно украшены декором. Интерьеры значительно более дробны, чем французские. Наиболее чистый образец ранней английской готики —собор в Солсбери. Это трехнефный собор, Башня средокрестья самая высокая в Англии, 135 м, и завершается шатровым покрытием. Кентерберийский собор (XII—XV вв.) — главный готический собор Англии. Собор Вестминстерского аббатства в Лондоне, место коронации и погребения английских королей со времени Вильгельма Завоевателя. Статуи поставлены тесно одна к другой.

Собор в Шартре

Собор Солсбери

Кентерберийский собор