Об инструментальной музыке XVII века,

Ее жанрах и формах

Долгое время игрой на инструментах чаще всего дублировали партии голосов в вокальных произведениях или сопровождали танцы. Были также распространены инструментальные переложения вокальных сочинений. Самостоятельное развитие инструментальной музыки усилилось только в XVII веке. При этом в ней продолжали развиваться художественные приемы, сложившиеся в вокальной полифонии. Они обогащались элементами гомофонного склада, опиравшегося на песню и танец. Одновременно на инструментальные сочинения стали влиять выразительные достижения оперной музыки.

Скрипка наряду с блестящими виртуозными возможностями обладает очень певучим голосом. И именно на родине оперы, в Италии, скрипичная музыка стала развиваться особенно успешно. В конце XVII века расцвело творчество Арканджело Корелли и началась творческая деятельность Антонио Вивальди. Эти выдающиеся итальянские композиторы создали множество инструментальных произведений с участием и с ведущей ролью скрипки. В них скрипка может петь так же выразительно, как человеческий голос в оперной арии, и увлекательно развертывать виртуозное пассажное движение.

В наследии Корелли и Вивальди большое место принадлежит жанру трио-сонаты. В большинстве трио-сонат две главные партии исполняют скрипки, а третью партию — партию сопровождения — клавесин или орган, причем басовый голос удваивается виолончелью или фаготом. Вслед за трио-сонатой появились соната для скрипки или другого инструмента в сопровождении клавесина, . а также кончерто гроссо — концерт для оркестра (сначала — струнного). Многим произведениям этих жанров свойственна форма старинной сонаты. Обычно это цикл из четырех частей с соотношением по темпу «медленно—быстро— медленно—быстро». Несколько позднее, уже в XVIII веке, Вивальди стал сочинять сольные концерты для скрипки и некоторых других инструментов с сопровождением оркестра. Там установился цикл из трех частей: «быстро—медленно— быстро».

Еще в Древнем Египте начал свою многовековую историю орган. К XVII веку он стал очень сложным по конструкции инструментом с широкими художественными возможностями. Маленькие органы можно было встретить тогда даже в частных домах. Их использовали для учебных занятий, на них разыгрывали вариации на мелодии народных песен и танцев. А большие органы со сверкающими рядами труб, с деревянными корпусами, украшенными резьбой, звучали, как и теперь, в церквах и соборах.

В наше время органы имеются также во многих концертных залах. В современных органах несколько тысяч труб и до семи клавиатур (мануалов), расположенных одна над другой — как лестничные ступеньки. Труб так много потому, что они разделяются на группы — регистры. Регистры включают и переключают специальными рычагами, чтобы получить другую окраску (тембр) звучания. Органы снабжены также педалью. Это целая ножная клавиатура из многих больших клавиш. Нажимая на них ногами, органист может извлекать, а также длительно выдерживать басовые звуки (такие выдержанные звуки тоже называются педалью или органным пунктом). По богатству тембров, по возможности сопоставить легчайшее пианиссимо с громоподобным фортиссимо орган не имеет себе равных среди музыкальных инструментов.

В XVII веке органное искусство достигло особенно высокого расцвета в Германии. Как и в других странах, немецкие церковные органисты являлись одновременно и композиторами, и исполнителями. Они не только сопровождали духовные песнопения, но и солировали. В их числе было немало талантливых виртуозов и импровизаторов, которые привлекали своей игрой целые толпы народа. Один из самых замечательных среди них — Дитрих Букстехуде. Послушать его игру приходил пешком из другого города молодой Иоганн Себастьян Бах. В разнообразном и обширном творчестве Букстехуде представлены основные типы органной музыки того времени. С одной стороны, это прелюдии, фантазии и токкаты. В них полифонические эпизоды свободно чередуются с импровизационными — пассажными и аккордовыми. С другой стороны, это более строго построенные пьесы, которые привели к возникновению фуги — самой сложной формы имитационной полифонии.

Букстехуде сделал также много органных обработок протестантского хорала в виде хоральных прелюдий. В отличие от григорианского хорала это — общее название духовных песнопений не на латинском, а на немецком языке. Они появились в XVI веке, когда от католицизма отделился новый вид христианского вероучения — протестантизм. Мелодической основой протестантского хорала послужили немецкие народные песни. В XVII веке протестантский хорал стали исполнять хором все прихожане при поддержке органа. Для таких хоровых обработок типичен четырехголосный аккордовый склад с мелодией в верхнем голосе. Впоследствии такой склад стали называть хоральным, даже если он встречается в инструментальном произведении.

Органисты играли также на струнно-клавишных инструментах и сочиняли для них. Общее название произведений для этих инструментов — клавирная музыка^{^[1]}.

Первые сведения о струнно-клавишных инструментах относятся к XIV—XV векам. К XVII веку самым распространенным из них стал клавесин.

Так его называют во Франции, в Италии его именуют чембало, в Германии — кильфлюгель, в Англии — харпсихорд. Название инструментов меньшего размера во Франции — эпинет, в Италии — спинетов Англии — вёрджинел.

Клавесин — предок фортепиано, которое начало входить в обиход с середины XVIII века. При нажиме на клавиши клавесина перышки или кожаные язычки, насаженные на стерженьки, как бы щиплют струны. Получаются отрывистые, звонкие и вместе с тем немного шуршащие звуки. На клавесине от силы удара по клавишам сила звука не зависит. Поэтому на нем нельзя делать крещендо и диминуэндо — в отличие от фортепиано, на котором это возможно благодаря более гибкому соединению клавиш с молоточками, ударяющими по струнам. У клавесина может быть две или три клавиатуры и имеется устройство, позволяющее изменять окраску звука.

Звучание еще одного небольшого клавишного инструмента — клавикорда — более слабое, чем звучание клавесина. Но зато на клавикорде возможна более певучая игра, потому что его струны не защипываются, а на них нажимают металлические пластинки.

Один из главных жанров старинной клавесинной музыки — сюита из нескольких законченных по форме частей, написанных в одной тональности. В каждой из частей обычно используется движение какого-либо танца. Основу старинной сюиты составляют четыре танца различного, не всегда точно выясненного национального происхождения. Это неспешная аллеманда (возможно, родом из Германии), более подвижная куранта (родом из Франции), медленная сарабанда (родом из Испании) и быстрая жига (родом из Ирландии или Англии). С конца XVII века по примеру парижских клавесинистов сюиты стали дополнять такими французскими танцами, как менуэт, гавот, бурре, паспье. Они вставлялись между основными танцами, образуя интермедийные разделы («intег» в переводе с латинского означает «между»). Старинную французскую клавесинную музыку отличают изящество, грация, обилие мелких мелодических украшений, например мордентов и трелей. Французский клавесинный стиль расцвел в творчестве Франсуа Куперена (1668 – 1733), прозванного Великим. Он создал около двух с половиной сотен пьес и объединил их в двадцать семь сюит. В них постепенно стали преобладать пьесы с разнообразными программными названиями. Чаще всего это как бы миниатюрные клавесинные женские портреты — меткие звуковые зарисовки какой-нибудь черты характера, внешности, манеры поведения. Таковы, например, пьесы «Сумрачная», «Трогательная», «Проворная», «Рассеянная», «Озорница». К французской клавесинной музыке, в том числе к пьесам Франсуа Куперена, проявил большой интерес его великий современник Иоганн Себастьян Бах.

[1] Некоторое время клавирной называли музыку для всех клавишных инструментов, включая клавишно-духовой инструмент – орган.

1 2 34

Дата добавления: 2020-10-01; просмотров: 564;