Акварельная живопись

Валёр

Колорит, как уже говорилось, есть не простое сочетание красок, а сложная система организации цвета, слагаемыми которой являются валёр, тон, полутон, тональность, гамма, предметный цвет, локальный цвет, оттенок. В общем определении о них можно говорить как об элементах живописного языка или выразительных средствах живописца, структурно входящих в такие более сложные и общие понятия, как живописность и колоризм. Валёр был наиболее ходовым термином среди живописцев и историков искусства в XIX веке, и в настоящее время употребляется сравнительно редко. Этимология этого французского слова не дает возможности объяснить ни происхождение, ни существо того содержания, которое вкладывается в него художниками.
Валёр происходит от французского слова «valeur» и буквально означает «стоимость», «ценность».

Проблема валёра была одной из актуальнейших в XIX веке, по свидетельству Фромантена, который уделяет большое внимание этому понятию, предлагая различные определения: «Оттенок (то есть валёр) этот, выраженный рисунком или гравюрой, легко уловим: так, черный тон по отношению к бумаге, представляющей единицу света, будет иметь большую валёрность, чем серый».

Здесь валёр рассматривается как простая градация светотени: чем гуще, темнее тень в черно-белом изображении, тем больше валёра; короче говоря, валёр понимается как степень светлоты цвета. Далее Фромантен пишет: «Выраженный цветом, этот оттенок становится абстракцией, он не менее реален, но его труднее определить. В результате ряда наблюдений, впрочем, не очень глубоких, и проведенных анализов, привычных для всякого химика, из данного цвета выделяют элемент светлого или темного, сочетающийся с собственно красочным элементом, и научным путем приходят к рассмотрению тона с точки зрения цвета и валёра. Так, например, в каждом фиолетовом тоне надо учитывать не только количество красного и синего, способное умножать его оттенки до бесконечности, но также иметь в виду количество света или интенсивность, приближающую данный фиолетовый к единице света или тени». Здесь валёр связывается уже со степенью высветления или затемнения цвета: любой цвет может быть высветлен вплоть до белого и затемнен вплоть до черного.
Если понимать под «валёром» просто степень светлоты цвета, то такие произведения, в которых цвет трактуется как свойство предмета, изменяющееся только в зависимости от освещения и передаваемое путем высветления или затемнения, нужно будет назвать валёрными. Однако этот термин по отношению к подобного рода живописи почти никогда не употребляется, и чаще всего говорят о системе валёров у Рембрандта, Шардена, Коро, а не у художников, которые просто высветляли или затемняли взятый локально предметный цвет. Это заставляет предположить, что понятие валёра несколько сложнее и не может быть определено как наличие светотени в цвете. И хотя оно в первую очередь все же связано со светотенью, но подразумевает такую ее модификацию, которая заключает в себе идею цвета, воздушной среды, пространства, фактуры.

Сложность понятия «валёр» становится еще большей, если принять во внимание и другое значение этого слова: «хорошо себя держать». Тогда валёр применительно к качеству цветового пятна может рассматриваться как определенная ценность последнего. Мазок краски будет представлять собой валёр, если он «хорошо себя ведет», то есть ничем не вырывается из контекста отношений по свету и цветовому тону, обладает соответствующими живописными качествами. Именно с таким более сложным пониманием валёра мы встречаемся у Делакруа: «Чем больше я размышляю о цвете, тем больше убеждаюсь, что окрашенный рефлексом полутон есть тот принцип, который должен доминировать, потому что именно он дает верный тон — тот тон, который образует валёры, столь важные в предмете и придающие ему подлинную живость. Свет, которому в наших школах учат придавать такое же значение и который мы переносим на полотно одновременно с полутоном и тенью, на самом деле есть не что иное, как чисто случайное обстоятельство; цвет в настоящем смысле слова находится в окрашенном рефлексом полутоне; я имею в виду подлинный цвет, дающий ощущение плотности и того коренного различия, какое существует между одним предметом и другим».
В приведенном отрывке затронут и ряд других взаимосвязанных между собой понятий, что, однако, не мешает понять, что валёр — это не только световой элемент цвета, а такое качество цветового пятна, которое включает в себя и цветовой тон, и насыщенность. Именно такое понимание валёра встречается у многих более поздних художников. «Валёры, — пишет К. Юон, — французский традиционный термин, употребляемый при анализе живописных достоинств картины и трудно переводимый. Он обозначает не столько какое-либо качество цвета, сколько качество самой живописи, разумея под последним совокупность всего в ней заложенного: качества цветовых, световых и технически фактурных сторон ее». И далее: «Валёр определяет живописную ценность, явившуюся в результате тонко воспринятых живописных отношений и чувствований, заложенных в характеристике живописных частей между собой, в объединении целого, образующегося из светотени, красочного и пластического содержания предмета. Валеры являются формальными показателями тонкостей живописных ощущений».

На неправильное понимание валера как лишь светотеневого элемента живописи указывал и советский живописец А. Ржезников: «Ходовое определение валёров связано с разработкой светосильности в смысле использования градаций светлого и темного. Необходимо понять, что решение валёра не ограничивается только полной разработкой светлого и темного, но должно выразить и все богатство цвета. Вся совокупность градаций от светлого до темного — это только абстракция, только намек на то богатство, которого можно достигнуть разработкой градаций от белого до черного, представленных как цвет. Воплощаясь как цвет, диапазон градаций от белого до черного как бы умножается во сто крат. Лишь введение цветоокрашенности дает возможность до-вести энергию светлого и темного до предела, до истинного цвета». И далее: «С овладением принципом валеров связано умение написать светлый предмет в глубокой тени таким образом, чтобы дать почувствовать светлость предмета, хотя он и написан темными красками.

Умение написать предмет яркого, например, красного цвета в глубокой тени так, чтобы чувствовалась яркость красного, несмотря на то, что он написан краской весьма далекой от яркой красной, — этот эффект тоже достижим лишь при большом мастерстве в пользовании валерами. Это мастерство позволит при светлой гамме живописи передать темные и яркие цвета действительности, то есть позволит написать их светлыми красками, не разбелив, но сохранив их во всей напряженности, как насыщенно темные и насыщенно яркие».

Таким образом, термин «валёр» имеет два значения: в широком смысле слова — это элемент светотени; работать валёрами в этом смысле — значит работать градациями светотени, придать больше валёра той или иной части композиции — значит усилить в данном месте светотень. В таком понимании валёр является термином, относящимся в большей мере к произведениям черно-белой графики и скульптуры.
Второй смысл слова валёр заключается в том, что имеется определенное качество цветового пятна, которое модифицируется в отношении насыщенности и светлоты цветового тона одновременно и содержит в себе и несобственные качества цвета. Валёр в этом последнем понимании присущ только живописному произведению и является одним из важнейших признаков колоризма.

 

 

Живопись гуашью

Слово «гуашь» в переводе с итальянского означает «влаж­ный», «водяная краска». Как и в живописи акварелью и темпе­рой, вода служит лишь разбавителем гуашевых красок. В отличие от названных техник, особенно акварели, гуашь не прозрачная, а сильно кроющая краска.

Гуашь приготавливается на сравнительно небольшом количе­стве связующего при большой концентрации пигмента (порош­ка). Кроме того, кроющую способность гуаши увеличивают на­полнители — белила, каолин, бланфикс и т. п. Белила как крою­щая краска широко используются и при составлении красочных смесей в процессе работы. Вследствие этого гуашь даже при не- 1 большой толщине красочного слоя непрозрачна. Это дает ху­дожнику возможность вносить поправки, исправления в неудав­шиеся места этюда, легко перекрывать предыдущий слой или темное светлым. При этом свежесть живописи сохраняется.

Технологическая особенность гуаши такова, что при высыха­нии она не образует, как масляная краска или темпера, прочной защитной пленки на поверхности красочного слоя. Живопись гуашью отличается бархатистостью, матовостью. Ее красочный слой легко разрушается от механического воздействия, впитыва­ет влагу из окружающей среды, смывается водой. Для прочности в гуашь добавляется в небольших дозах клей. Из-за большого количества наполнителей и использования белил в процессе ра­боты гуашь при высыхании сильно высветляется.

Гуашь быстро сохнет, но при высыхании изменяет свой тон. Все это осложняет работу, поэтому художники нередко предвари­тельно составляют нужные колера в отдельной посуде, Делают пробные выкраски, что позволяет после просушки видеть и вносить уточнения в полученный тон.

В качестве связующего в гуаши применяется декстрин, каме­ди фруктовых деревьев, гуммиарабик (его получают из камеди тропических акаций). Приготовленные на гуммиарабике краски отличаются глубиной и насыщенностью цвета.

Связующее для красок гуаши готовится в виде клеевого раст­вора с различными добавками. Художественная гуашь представ­ляет собой тонкотертую смесь пигмента с водным связующим, приготовленным на основе фруктовой камеди (или гуммиара­бика), декстрина, глицерина, препарата животной желчи, фено­ла, ализаринового масла. Гуашь плакатная готовится из тонко­тертой смеси минеральных или органических пигментов с вод­ным раствором клея.

Для приготовления гуашевых красок используются сухие порошкообразные пигменты, полученные искусственным путем, или природного (земляного) происхождения. Цвет последних обусловлен наличием в них окрашенных соединений железа, марганца, хрома.

Гуашевые краски в готовом виде должны отвечать пример­но следующим требованиям:

· легко браться кистью и сходить с нее, ложиться на бума­гу ровным слоем без сгустков, комков, полос и пятен;

· после нанесения корпусным или тонким слоем в неразбав­ленном водой виде закрывать лежащий ниже красочный слой;

· после высыхания не пачкать и не стираться, не растрески­ваться и не осыпаться при сгибе бумаги;

· во время хранения во флаконах не загустевать в течение длительного времени.

Для учебных этюдов, эскизов, оформительских работ внутри помещений вполне пригодны достаточно плотные картон и бума-• га с хорошо выраженной фактурой. На жесткие, очень плотные и глянцевые поверхности гуашь ложится непрочно. Хорошее сцепление гуашевые краски имеют с клеевым грунтом, шерохова­той поверхностью. Для проклейки используются слабые растворы желатина, столярного, казеиново­го клея, крахмальный или мучной клейстер, клей ПВА и т. п.

Первая проклейка выполняется остывшим, студнеобразным клеевым раствором (так как горячий жидкий раствор клея про­питает основу — ткань или холст — и выступит с ее обратной сто­роны).

Самый простой способ проклеивания — жидким раствором столярного клея покрыть картон или бумагу один раз. При по­вторном перекрытии — добавить в раствор клея белила или мел для получения светлой поверхности основы.

Чтобы краска лучше сцеплялась с основой и при этом фактура красочного слоя была ярко выраженной, основа должна иметь не­сколько шероховатую поверхность.

Для работы гуашью лучше пользоваться щетинными и ко­лонковыми кистями. Они упруги и достаточно мягки. Очень мяг­кие кисти, например из волоса белки, мнутся, сгибаются.

Для живописи удобнее пластмассовая белая палитра со спе­циальными чашечкообразными углублениями по краям, которые заполняются красками. Можно использовать стекло, хорошо пропитанную маслом фанеру или загрунтованный картон. После работы палитра начисто протирается влажной тряпкой; остав­шуюся в чашечках краску, чтобы не засохла, можно закрыть влажной тряпкой или марлей.

Способы и приемы работы гуашью очень разнообразны. Гуашь позволяет вести живописный процесс длительно, переписывать или смывать неудачные места, вносить уточнения в конце работы. Красочный слой, особенно влажный, легко размывается, позво­ляет вписывать один цвет в другой, получать мягкие переходы цветовых градаций.

Гуашью можно писать очень тонкими наслоениями красок, делать размывку водой, использовать для высветления тона бе­лила. Для общего тонального решения этюда, так же как и в аква­рели, можно использовать цвет и тон бумаги.

Гуашь можно смешивать с акварелью. Допустим, первая про­писка делается акварелью, а завершается этюд гуашью.

Акварельная живопись

Акварелью называют краски, растворителем для которых служит вода. Они экологичны, не требуют сложного оборудования, просты в употреблении. Поэтому акварельные краски используют как для детского, так и профессионального творчества. Акварель выполняется, как правило, на бумаге. Важнейшей особенностью акварели является ее прозрачность. Это свойство материала позволяет передавать глубину пространства световоздушной среды, изменчивость и подвижность окружающего мира, разнообразие цветовых и тональных отношений. В тоже время акварель портативный и достаточно доступный по стоимости материал. Ею удобно пользоваться как при работе на природе, так и в условиях мастерской.

Акварель обладает широкими техническими возможностями. Акварельные работы могут быть построены на тончайших цветовых переходах прозрачного красочного слоя или глубоких сочных цветовых пятнах. В ней может быть использовано ровноокрашенное или с неповторимыми затеками пятно, разной формы красочные мазки и линии. Есть у акварели еще одна особенность. Она не любит поправок. А это требует от исполнителя виртуозного владения не только техническими приемами акварельной живописи, но и умения уверенно рисовать. Именно поэтому акварель следует отнести к одной из самых сложных живописных техник. Разумеется, и процесс освоения приемами письма акварелью, требуют серьезной и целенаправоенной работы. Возникает вопрос о целесообразности изучения акварельной живописи на первоначальной стадии обучения изобразительному искусству. Отвечая на него можно привести массу доводов как «за», так и «против» использования этого материала в целях обучения детей изобразительному искусству.

Акварельные краски были известны еще в древнем Египте, в древнем Китае и странах античного мира. Долгое время письмо ими считалось лишь одной из составляющих графического рисунка. Живопись акварелью в современном ее представлении возникла сравнительно недавно: в конце XVIII – начале XIX вв. Тогда она приобрела независимость и стала одной из самых сложных техник рисования. Акваре́ль (фр. Aquarelle — водянистая; итал. acquarello) — живописная техника, использующая специальные акварельные краски, при растворении в воде образующие прозрачную взвесь тонкого пигмента, и позволяющая за счёт этого создавать эффект лёгкости, воздушности и тонких цветовых переходов. Акварель совмещает особенности живописи (богатство тона, построение формы и пространства цветом) и графики (активная роль бумаги в построении изображения, отсутствие специфической рельефности мазка, характерной для живописной поверхности).

Основой для акварели является, как правило, бумага, которую часто предварительно смачивают водой для достижения особой размытой формы мазка. Для этого могут служить особые рамки — стираторы — на которые натягивается лист. Таким образом, во время письма бумагу можно смачивать снизу, или бумагу кладут на мокрую фланель. Возможен и более простой способ: предварительно увлажненный лист акварельной бумаги, достаточно хорошо впитывающей влагу, кладут на стекло, при этом, в зависимости от того, как долго отрабатывается конкретный участок рисунка, выбирают угол наклона стекла, но чаще всего стекло лежит горизонтально. Сообразуясь с собственными манерными возможностями, можно допускать, чтобы вода на листе бумаги выступала в виде лужи или глубоко впитывалась и создавала лишь отдельный влажный участок. Краска в таких случаях играет по-разному, чем создает желаемый эффект. Собственно говоря, именно в этом заключается наиболее распространённое современное понимание акварельной техники. Кроме того, в акварели могут использоваться работа заливками и точечно-штриховая техника. Именно для таких приёмов используется натягивание листа бумаги на планшет, а также так называемые акварельные блоки.

Связующим веществом для акварельных красок служат легко растворимые водой прозрачные растительные клеи — гуммиарабик и декстрин. В качестве пластификатора в них вводят глицерин и инвертированный сахар, удерживающие влагу. Без этого краски бы легко пересыхали и становились хрупкими. Другая добавка к акварельным краскам, служащая поверхностно-активным веществом — бычья желчь. Она препятствует скатыванию красок в капли, облегчая рисование. Для защиты от плесени вводится антисептик — фенол.

По мнению специалистов XIX века, «для акварельной живописи употребляется или бристольский картон, ватманская бумага, или торшон, кисти беличьи, куньи, барсука или хорьковые. Однотонные рисунки делаются или по способу Губерта, употребляя сепию, или нейтральтинтом. Для цветных акварелей наиболее употребительные краски следующие: гуммигут, индийская жёлтая, жёлтая охра, терр де Сиена натуральная, таковая же жжёная, киноварь, кармин гаранс, лак-гаранс, кармин жжёный, охра красная, венецианская красная, индийская красная, кобальт, ультрамарин, берлинская лазурь, индиго, нейтральтинт и сепия».

Работа акварельными красками на природе, с натуры, требует быстроты и отработанной техники. Вместе с тем, под рукой должен быть сосуд с чистой водой и губка, которая, как правило, участвует в процессе наравне с кистями.

Качество акварельной бумаги является очень важным для работы, но самая дорогая и лучшая бумага не всегда доступна начинающим художникам, и потому вполне можно приспособиться к уже имеющейся — настолько, что даже на самой хорошей, но непривычной бумаге результат может оказаться слабее.

Акварельная техника стала развиваться в Китае после изобретения бумаги во II веке нашей эры. В XII—XIII веках бумага получила распространение в Европе, прежде всего в Испании и Италии. Предшественницей акварельной техники в Европе была роспись по сырой штукатурке (фреска), позволявшая получать сходные эффекты.

В Европе акварельная живопись вошла в употребление позже других родов живописи. Из первостепенных художников Ренессанса значительный след в акварели оставили Дюрер, чей «Заяц» стал хрестоматийной работой, затем акварели отдали дань Антонис ван Дейк, Клод Лоррен и Джованни Кастильоне. Однако эти примеры оставались единичными вплоть до рубежа XVIII—XIX веков, так что даже в 1829 году Пайо де Монтабер в «Полном трактате о живописи» упоминает об акварели вскользь как об искусстве, не заслуживающем серьёзного внимания.

В то же время техника с использованием ослабленных контуров и растушёвки кистью широко применялась, особенно в XVIII веке, участниками научных и военных экспедиций для зарисовки археологических и геологических объектов, растений, животных, при раскраске архитектурных и топографических планов: первоначально употреблялась китайская тушь, затем тушь с лак-кармином, сепия, а затем и другие водяные краски.

В середине XVIII века рисование водяными красками сделалось популярным видом досуга для непрофессионалов: распространению этого развлечения особенно способствовали публиковавшиеся в 1780-е гг. и воспевающие красоту английской глубинки путевые дневники Уильяма Гилпина, которые он снабдил собственными иллюстрациями. В результате на рубеже XVIII—XIX века усилиями сперва Пола Сэндби, затем Томаса Гёртина и наконец, прежде всего, Джозефа Тёрнера акварель превратилась в едва ли не важнейший вид английской живописи — в 1804 г. было основано Общество акварелистов (англ. Society of Painters in Water Colours).

Кроме того, популярность акварели возросла и в связи с распространившейся во второй половине XVIII в. моде на портретную миниатюру, — жанр, который с успехом начали осваивать многочисленные художники-любители. Новации Гёртина, начавшего пользоваться акварелью для картин большого формата, и Тёрнера, существенно обогатившего арсенал технических приёмов акварелиста, вызвали к жизни дальнейший подъём английской акварели в творчестве таких художников, как пейзажисты Джон Селл Котмен, Энтони Копли Филдинг, Ричард Паркс Бонингтон, Дэвид Кокс, много писавший архитектурные сооружения Сэмюэл Праут, мастер натюрмортов Уильям Генри Хант, а также Сэмюэл Палмер, Джон Варли, Джон Фредерик Льюис, Майлз Бёркет Фостер, Фридерик Уокер и другие мастера. Роль акварели в английском изобразительном искусстве была закреплена сочинениями Джона Рёскина, объявившего Тёрнера крупнейшим художником своего времени. В середине XIX века акварель завоевала широкую популярность также в США благодаря работам таких художников, как Уильям Трост Ричардс, Томас Моран, Томас Икинс и Уинслоу Хомер. Во Франции распространение акварельной живописи было связано с именами Поля Делароша, Эжена Делакруа, Анри Жозефа Арпинье, а также мастера сатирических рисунков Оноре Домье. К концу XIX века произошёл некоторый пересмотр отношения к акварели, отчасти связанный с тем, что многие новые краски, введённые в широкое употребление акварелистами середины века, оказались весьма недолговечными, быстро выцветающими. Тем не менее, на рубеже веков акварели отдали дань Поль Синьяк и Поль Сезанн во Франции, Морис Прендергаст и Джон Сингер Сарджент в США, а затем Василий Кандинский, Эмиль Нольде, Эгон Шиле, Пауль Клее и Рауль Дюфи.

 

Существует множество различных приемов исполнения акварельных работ. Эти способы можно выделить и классифицировать лишь условно, в зависимости от определенных факторов. В зависимости от степени влажности бумаги можно выделить такие акварельные техники, как «работа по-мокрому» («английская» акварель) и «работа по-сухому» («итальянская» акварель). Интересный эффект дает работа по фрагментарно увлажненному листу. Кроме этого можно встретить и комбинации данных приемов. Суть приема «работа по мокрому» заключается в том, что краска наносится на предварительно смоченный водой лист. Степень его влажности зависит от творческого замысла художника, но обычно начинают работать после того, как вода на бумаге перестает «блестеть» на свету. При достаточном опыте можно контролировать влажность листа рукой. В зависимости от того, насколько наполнен водой волосяной пучок кисти, принято условно различать такие способы работы, как «мокрым-по-мокрому» и «сухим-по-мокрому».

Достоинства техники по-мокрому: такой способ работы позволяет получить легкие, прозрачные цветовые оттенки с мягкими переходами. Особенно успешно этот метод используется в пейзажной живописи. Основная трудность кроется в главном достоинстве - это текучесть акварели. При наложении красок этим методом художник нередко зависит от капризов растекающихся по мокрой бумаге мазков, которые в процессе творчества могут получаться далеко не такими, как предполагалось изначально. При этом исправить лишь отдельный фрагмент, не затронув остальные, практически невозможно. В большинстве случаев переписанный участок будет дисгармонировать с общей структурой остального полотна. Этот способ работы требует постоянного самоконтроля, свободного владения кистью.

Техника A la Prima - это живопись по-сырому, написанная быстро, в один сеанс, при которой создаются неповторимые эффекты разводов, переливов и перетеканий краски. Попадая на влажную поверхность бумаги, краска растекается по ней неповторимым образом, делая картину легкой, воздушной, прозрачной, дышащей. Не случайно, работу, выполненную в такой технике, практически нельзя скопировать, так как каждый мазок по мокрому листу уникален и неповторим. Сочетая различные цветовые комбинации с многообразием тональных решений, можно добиться удивительных переливов и переходов между тончайшими оттенками. Метод а-ля прима, поскольку он не предполагает многократных прописок, позволяет сохранить максимальную свежесть и сочность красочных звучаний. Кроме этого, дополнительным преимуществом данного приема будет определенная экономия времени. В быстрых по выполнению набросках с натуры и эскизах этот метод незаменим. Уместен он и при выполнении пейзажных этюдов, когда непостоянные состояния погоды обязуют к быстрой технике выполнения. При письме рекомендуется составлять смеси из двух, максимум из трех цветов. Лишняя краска, как правило, ведет к замутнению, к потере свежести, яркости, цветовой определенности. Не следует увлекаться случайностью пятен, каждый мазок призван отвечать своему назначению — строго согласовываться с формой и рисунком. Достоинство и одновременно сложность техники A la Prima в том, что изображение, мгновенно возникающее на бумаге и причудливо расплывающееся под действием движения воды, впоследствии невозможно подвергнуть никакому изменению. Каждая деталь начинается и заканчивается в один прием, все цвета берутся сразу в полную силу. Поэтому данный способ требует необычайной сосредоточенности, отточенности письма и идеального чувства композиции. Еще одним неудобством можно назвать ограниченные временные рамки исполнения подобной акварели, так как нет возможности неторопливой работы с перерывами между сеансами живописи. Изображение пишется практически без остановки и, как правило, «в одно касание», т.е. кисть по возможности касается отдельной части бумаги лишь один-два раза, более не возвращаясь к ней. Это позволяет сохранить абсолютную прозрачность, легкость акварели, избежать грязи в работе.

Работа «по-сухому» заключается в том, что краска наносится на сухой лист бумаги одним-двумя (однослойная акварель) или несколькими (лессировка) слоями, в зависимости от идеи художника. Этот способ позволяет обеспечивать хороший контроль над растекаемостью краски, тональностью и формой мазков. Однослойная акварель «по-сухому», работа пишется одним слоем по сухому листу и, как правило, в одно-два касания. Это позволяет сохранить чистоту цветов на изображении. По мере необходимости можно «включить» краску другого оттенка или цвета в нанесенный, но еще не высохший слой. Однослойный метод сухим-по-сухому более прозрачен и воздушен, чем лессировка, но не имеет красоты мокрых переливов, достигаемых техникой A la Prima. Однако в отличие от последней, без особых сложностей позволяет выполнять мазки нужной формы и тональности, обеспечивать необходимый контроль над краской. Используемые в работе цвета, во избежание возникновения грязи желательно продумывать и готовить заранее, в самом начале сеанса живописи, чтобы беспрепятственно их наносить на лист. В данной технике удобно работать, заранее наметив контуры рисунка, так как нет возможности внести корректировку дополнительными слоями краски. Этот метод хорошо подходит для графических изображений, так как мазки на сухой бумаге сохраняют свою четкость. Кроме того, такую акварель можно писать как за один сеанс, так и за несколько сеансов с перерывами по мере необходимости.

Другой способ исполнения однослойной акварели – мокрым-по-сухому, заключается в том, что каждый мазок наносится рядом с предыдущим, захватывая его, пока тот еще не просох. Благодаря этому образуется естественное смешение оттенков и мягкий переход между ними. Для усиления цвета можно влить кистью необходимую краску в еще не просохший мазок. Работать надо достаточно быстро, чтобы закрыть весь лист до того, как подсохнут ранее нанесенные мазки. Это позволяет создать красивые живописные переливы, а сухая поверхность бумаги способствует достаточному контролю над текучестью и очертаниями мазков.

Многослойная акварель (лессировка). - лессировками называется способ нанесения акварели прозрачными мазками (как правило, более темные поверх более светлых), один слой поверх другого, при этом нижний всякий раз должен быть сухим. Таким образом, краска в разных слоях не смешивается, а работает на просвет, и цвет каждого фрагмента складывается из цветов в его слоях. При работе в этой технике можно увидеть границы мазков. Но, так как те прозрачны, это не портит живопись, а придает ей своеобразную фактуру. Мазки выполняются аккуратно, чтобы не повредить и не размыть уже высохшие живописные участки. Главным достоинством техники многослойной акварели является возможность создания картин в стиле реализма, т.е. максимально точно воспроизводящих тот или иной фрагмент окружающей среды. Такие работы внешне имеют определенное сходство, например, с масляной живописью, однако, в отличие от нее, сохраняют прозрачность и звонкость цветов, несмотря на наличие нескольких слоев краски. Яркие, свежие лессировочные краски придают акварельным работам особую полнозвучность цвета, легкость, нежность и лучезарность колорита. Лессировка — это техника насыщенных цветов, глубоких теней, наполненных красочными рефлексами, техника мягких воздушных планов и бесконечных далей. Там, где стоит задача добиться интенсивности цвета, многослойный прием стоит на первом месте. Лессировка незаменима в затененных интерьерах и удаленных планах панорам. Мягкость светотени интерьера в спокойном рассеянном свете со множеством всевозможных рефлексов и сложность общего живописного состояния интерьера могут быть переданы лишь техникой лессировки. В панорамной живописи, где необходимо передать нежнейшие воздушные градации перспективных планов, нельзя пользоваться корпусными приемами; здесь можно достигнуть цели лишь при помощи лессировки. При письме в данной технике художник относительно независим в вопросе хронологических рамок: не нужно торопиться, есть время подумать без спешки. Работу над картиной можно разбить на несколько сеансов, в зависимости от возможностей, необходимости и, собственно, желания автора. Это особенно важно при работе с изображениями большого формата, когда можно отдельно друг от друга выполнять различные фрагменты будущей картины с их последующим финальным объединением. Благодаря тому, что лессировка выполняется по сухой бумаге, удается достичь великолепного контроля над точностью мазков, что позволяет максимально воплотить свой замысел. Постепенно нанося один слой акварели за другим, легче подобрать необходимый оттенок для каждого элемента в рисунке и получить нужное цветовое решение. Главная критика, направленная в адрес данной техники, заключается в том, что, в отличие от однослойного стиля письма, максимально сохраняющего прозрачность красок, акварельные работы, исполненные лессировкой, теряют свою воздушность и напоминают изображения маслом или гуашью. Однако, если лессировки накладывать тонко и прозрачно, то падающий на картину свет будет способен дойти до бумаги и отразиться от нее. Следует отметить, что многослойность письма зачастую скрывает фактуру бумаги и красок или фактурность штрихов полусухой кисти по зернистому листу. Как и любая живопись акварелью, лессировка предполагает очень аккуратную работу – мазки надо класть осторожно, чтобы не смазать нижние, уже высохшие, слои краски. Потому как совершённую ошибку не всегда можно потом исправить без последствий. Если позволяет бумага и фрагмент изображения, можно размыть жестким колонком, предварительно смоченным в чистой воде, неудачное место, после чего промокнуть его салфеткой или тряпочкой, а затем, когда все просохнет, осторожно восстановить цвет.

Так же, работы могут выполняться в комбинированной (смешанной) акварельной технике, когда в одной картине гармонично сочетаются как приемы «по-мокрому», так и «по-сухому». Например, первый слой краски кладется на мокрую бумагу, для создания нужной размытости заднего плана (или/и отдельных фрагментов среднего и переднего планов), а затем, после высыхания бумаги, кладутся последовательно дополнительные слои краски при детальной прорисовке элементов среднего и ближнего планов. При желании используются и другие варианты сочетаний письма по-сырому и лессировки. Интересен способ работы по фрагментарно увлажненному листу, когда последний смачивается не полностью, а лишь в некоторых конкретных местах. Длинный мазок, захватывающий как сухие, так и влажные области бумаги, приобретет неповторимые очертания, соединив, при своей общей непрерывности, четкие контуры в сухих местах с «растекшимися» в увлажненных. Соответствующим образом изменится и тональность такого мазка в разных по степени влажности областях бумаги.

По используемой художником цветовой палитре условно можно выделить монохромную акварель – гризайль, и многоцветную - классическую. В последней нет ограничения на количество используемых красок и их оттенков, в гризайле же используются различные тона одного цвета, не считая цвета бумаги. Чаще всего используется сепия и, реже, черный цвет, охра. Иногда в отношении акварельных работ можно встретить и такой термин как «дихром». Как правило, он употребляется крайне редко и относится к тем изображениям, в создании которых использовались не один, а два цвета.

По степени влажности можно разделить не только рабочую поверхность, но и волосяной пучок кисти во время сеанса живописи. Конечно, это деление более чем условно, так как, в зависимости от желаний художника, одна и та же кисть может менять степень влажности с каждым мазком. Вместе с тем выделим работу сухой (отжатой) кистью, полусухой и мокрой, так как мазки в этих случаях различаются между собой. Мазок отжатой кистью при письме «по-мокрому» обеспечивает меньшую «текучесть», позволяет лучше сохранять контроль над краской, наносимой на лист. При письме «по-сухому» такой мазок может покрывать бумагу лишь частично, «проскальзывая» (особенно это касается рельефной бумаги, среднезернистой и торшона), что представляет особый интерес для конкретных творческих решений. Письмо полусухой кистью универсально и хорошо подходит для письма на бумаге разной степени влажности. Конечно, в каждом случае будут свои особенности. Мокрой кистью пишут, как правило «по-сухому», так как по влажной поверхности листа точечные мазки дают сильное «растекание» и плохо поддаются контролю. Вместе с тем мокрая кисть хорошо подходит для заливок, растяжек, отмывок и других приемов, когда требуется сохранить в кисти по возможности максимальное количество воды.

Существуют техники, когда акварель смешивается с другими красящими материалами, например, с белилами (гуашью), акварельными карандашами, тушью, пастелью и др. И, хотя результаты также бывают весьма впечатляющими, такие техники не являются «чистыми».

В акварели можно условно выделить такие приемы письма, как: мазки, заливка, отмывка, растяжка, резерважи, «вытягивание» краски и др.

Мазки - это, пожалуй, один из самых распространенных способов письма в живописи, по характеру которых легко отличить динамичный рисунок от скучной работы. Наполненная краской кисть, соприкасаясь с поверхностью листа, выполняет то или иное движение, после чего отрывается от бумаги, завершая тем самым мазок. Он может быть точечным, линейным, фигурным, четким, размытым, сплошным, прерывистым и т.п. Заливка - прием, выполняемый в тех случаях, когда требуется прокрыть значительную площадь рисунка одним цветом или сделать плавные переходы между разными цветами. Исполняется по бумаге, наклоненной под углом, как правило, длинными горизонтальными мазками крупной кистью, таким образом, чтобы каждый следующий мазок стекал вниз и «захватывал» часть предыдущего, тем самым органически сливаясь с ним в одну фактуру. Если после завершения заливки остались излишки красящего пигмента, то их можно аккура<

<== предыдущая лекция | следующая лекция ==>
Условие о репатриации | СВОЙСТВА ИНФОРМАЦИИ


Дата добавления: 2021-03-18; просмотров: 201; ЗАКАЗАТЬ НАПИСАНИЕ РАБОТЫ


Поиск по сайту:

Воспользовавшись поиском можно найти нужную информацию на сайте.

Поделитесь с друзьями:

Считаете данную информацию полезной, тогда расскажите друзьям в соц. сетях.
Poznayka.org - Познайка.Орг - 2016-2022 год. Материал предоставляется для ознакомительных и учебных целей.
Генерация страницы за: 0.066 сек.