Художественная обработка металла

Разнообразное по своим художественно-техническим приемам искусство обработки металла имеет древние традиции. Неизвестные мастера России - ювелиры Киева, Новгорода, Владимира, Суздаля Х-ХП вв. умели создавать тонкую скань, знали чернение по серебру, перегородчатую эмаль.

Образование промыслов по художественной обработке металла относится к XVII в. Многие из них, сохранившие присущее им своеобразие, существуют и в настоящее время, творчески развивая древние традиции. Это фабрика «Север­ная чернь» в Великом Устюге Вологодской области, фабрика «Ростовская финифть» в Ростове Ярославской области, юве­лирные промыслы в районе села Красное Костромской облас­ти, в поселке Мстера Владимирской области.

Возникновение в том или ином районе центров худо­жественной обработки металла было обусловлено рядом ис­торических, географических, экономических причин.

Великоустюжное черневое серебро. Самый древний художественный промысел по обработке металла сформиро­вался на Русском Севере в Великом Устюге близ Вологды. Уже во второй половине XVI в. этот город стал вторым после Вологды торговым центром Северо-Восточной Руси. Его расположение на торговом пути между Москвой и Архан­гельском - единственным тогда морским портом России на севере - способствовало развитию различных видов ремесел, среди которых особенно выделялась обработка металла: ме­ди, железа, серебра. Для развития промысла по художествен­ной обработке металла в Великом Устюге большое значение имела связь с Сольвычегодском - крупным центром художе­ственного ремесла.

Ранние черневые изделия Великого Устюга относятся к середине XVIII в. Но есть документы, свидетельствующие, что искусство черни по серебру существовало в этом городе значительно раньше. В 1761 г. в Великом Устюге была от­крыта фабрика купцов Поповых, куда созывались мастера серебряного дела К этому времени уже сложились основные черты искусства великоустюжских мастеров, заключавшееся в сюжетной черневой гравюре, расположенной на золотом, декоративно разработанном фоне. Изделия, выполненные мастерами Великого Устюга, — табакерки, коробочки, ми­ниатюрные флакончики для духов - отличались изяществом форм, красотой и изысканностью силуэта.

Обычно основное изображение выполнялось в черни и четко смотрелось на фоне серебра или золота. Позолоченный фон был излюбленным. Чтобы яркий по своему цвету и бле­ску позолоченный фон не затмевал тонкий черневой рисунок, мастера находили интересные приемы, слегка «приглушая» фон. Они покрывали его мелкими точками чеканки или тон­кой сеткой гравировки. Чтобы черневое изображение еще бо­лее контрастно выделялось, контур его подрезали, таким об­разом фон углублялся, а изображение как бы приподнима­лось, становилось рельефным. Прихотливо изогнутые стебли и цветы, строго геометрический узор в сочетании с сюжет­ными изображениями подчеркивали форму вещи.

Являясь одним из видов русского ювелирного искусст­ва, черневые изделия Великого Устюга отражали общие ха­рактерные черты стиля эпохи.

Ростовская финифть. Город Ростов в Ярославской об­ласти - центр живописи по эмали - финифти. Украшение ме­таллических предметов эмалью было известно в России уже в Х-Х1 вв. Это были так называемые дымчатые эмали, когда эмалевыми красками заполнялись углубления, вырезанные на поверхности металла, перегородчатые эмали, когда эмалью разных цветов заполняли детали узора, образованные тонкой серебряной или золотой перегородкой, припаянной на ребро к металлической пластинке.

Во второй половине XVIII в. широкую известность по­лучили ростовские мастера, которые расписывали эмалевыми красками кресты, иконы, украшали оклады Евангелия. Это объяснялось тем, что искусство эмали в Ростове было тесно связано с оформлением церквей и монастырей. В XIX в, в ростовской эмали появляются геометрические портретные изображения, что можно объяснить влиянием станковой жи­вописи того времени.

Излюбленным изделием на промысле были коробочки для ювелирных украшений Роспись их весьма разнообразна. Это и декоративная цветочная роспись, и пейзажные изобра­жения, в которых мастера тонко передают панораму своего родного Ростова.

В настоящее время плодотворно работает, продолжая традиции искусства своих предшественников, фабрика «Рос­товская финифть». Работы ростовских мастеров значительно обогатились в декоративном плане. Разнообразны колористи­ческие решения росписи, в которой изображение построено то на контрастном сочетании ярких цветов, то на единой то­нальной гамме. Сочетание живописного яркого мазка и тон­кой графичной линии придает декоративность росписи. Фи­лигранная оправа предметов также обогащает облик изделия

Мстерские изделия из металла. Видное место среди сокровищ русского ювелирного искусства филиграни зани­мают мстерские ювелирные изделия. Филигрань или скань -это способ изготовления художественных изделий из круче­ной или гладкой проволоки. Элементы сканного узора соеди­няются при помощи пайки.

Кропотливая техника филиграни сохранилась и разви­вается в наши дни на мстерском заводе художественных из­делий «Ювелир» во Владимирской области. Вначале изготавливают каркас, на который накладыва­ется бумага с нанесенным на нее рисунком будущего изде­лия. По специальным шаблонам мастера выгибают из витой проволоки детали рисунка - петельки, жучки, колечки, дужки и т.д. Эти маленькие детали приклеивают на бумажную осно­ву по контуру заданного узора. Ажурный каркас покрывается припоем - порошком, состоящим из серебра и поташа, и по­мещается в муфельную печь. Из нее спаянный корпус изде­лия поступает на 2-3 мин. в другую печь, где сгорает бумага. Заканчивается изготовление филигранных изделий отделкой, серебрением, золочением, полировкой, травлением.

Мстерские мастера используют как ажурную, так и на­кладную филигрань - когда филигранный узор наслаивается на поверхность гладких серебряных и позолоченных изделий В ряде изделий ажурное филигранное обрамление сочетается с вкладышами из цветного стекла, которое поставляет масте­рам Гусевский хрустальный завод. Работы последних лет го­ворят о том, что у ювелиров выработался свой характер фи­лиграни, заключающийся в переходах от плотного ажура к разреженному.

Жостовские подносы. Традиционная роспись подносов существует в подмосковном селе Жостово и в уральском го­роде Нижний Тагил. Тагильские подносы являются родона­чальниками этого своеобразного вида декоративно-прикладного искусства, но особенного развития оно достигло в Подмосковье.

Жостовские изделия принадлежат к семье «русских ла­ков». Возникновение их производства связано с зарождением в конце XVIII в. в подмосковном селе Данилково близ Федо­скино и деревнях Осташкове и Жостово лаковой миниатюр­ной живописи по папье-маше.

На протяжении XIX - начала XX вв. мастерские Лукутиных и Вишняковых славились производством шкатулок, табакерок, кошельков, коробочек, украшенных живописными миниатюрами.

Начало производства подносов в Жостово относится к 1807 г. Каждый поднос обычно проходил через руки трех че­ловек: коваля, изготовлявшего форму, шпаклевщика и живо­писца, грунтовщика, после просушки покрывавшего изделие лаком.

Жостовское письмо начинается с «замалевки» - нане­сения разбеленной краской силуэтов цветов и листьев, затем на просохший замалевок лессировочными (прозрачными) красками накладываются тени. Этот прием «тенежки» погру­жает букет в глубину фона. Далее следует «плотное корпус­ное письмо», наиболее ответственный этап живописи. «Бли-ковка» - наложение бликов - выявляет объем и свет, завер­шает лепку форм. Далее «чертежка» размещает детали, очер­чивает лепестки, прожилки и семена. Завершает письмо «привязка» — тонкие травки и усики.

Расширяя выразительные средства, живописцы Жостова разрабатывают новые способы орнаментальной росписи. Так появился новый прием «копчения», с помощью которого на поверхность подноса наносился узор, напоминающий ри­сунок панциря черепахи.

Кроме черных и белых фонов, подносы расписывают и по цветным, и по золотым фонам На поверхность подноса наносится порошок бронзы или алюминия. Просвечивая сквозь слой лака, он создает эффект золота. На золотом фоне краски приобретают особую яркость, а подносу придают вид дорогого предмета.

За свою историю жостовские подносы из бытового предмета стали декоративными панно, а ремесло, служившее некогда подспорьем к земледелию, обрело статус уникально­го вида русского народного искусства.

Народная керамика

Керамика — различные предметы изобожженной глины. Они создаются гончарами. Повсюду, где имелись природные запасы глины, пригодной для обработки, мастера-гончары изготавливали разнообразные по формам и декору миски, кувшины, блюда, фляги и другие предметы, широко использовавшиеся народом в быту.

К керамике относятся майолика, терракота, фарфор, фаянс, отличающиеся друг от друга составом глин.

Майоликой называют изделия из гончарных глин, по­крытые цветными непрозрачными глазурями -эмалями.

Терракота - это изделия из обожженной глины, не по­крытые глазурями.

Фарфор отличается составом массы, в которую входит белая глина — каолин высокой температуры плавления, или полевой шпат, придающие фарфоровым изделиям белизну, тонкость стенок, прозрачность.

Фаянс близок к фарфору, но не обладает его белизной и прозрачностью, имеет более толстый черепок.

Гжельская керамика. В Гжели, Речицах, Турыгине и других селах Раменского района Московской области издавна существовало производство керамических изделий, которым занималось почти все население местных деревень.

Уже в XVII в. гжельские мастера славились гончарны­ми изделиями, а глины, которые они употребляли, отлича­лись высоким качеством.

В середине XVIII века гжельские мастера начали вы­пускать изделия в технике майолики, с росписью по сырой эмали. Блюда, квасники, кувшины они украшали нарядной росписью зеленых, желтых, фиолетовых тонов. На них изо­бражались цветы, деревья, архитектура, целые сюжетные сцены.

Сосуды украшались также скульптурой: условно пере­данными человеческими фигурками, птицами, животными Скульптура выполнялась отдельно.

Впоследствии, когда русским ученым Д.И. Виноградо­вым в середине XVIII века был открыт секрет состава фарфо­ровой массы, гжельские мастера начинают создавать изделия из фарфора. Это прежде всего разнообразная посуда: масленки, чашки, молочники, кружки, украшенные яркой, свобод­ной кистевой росписью.

Во второй половине XVIII века в росписи гжельских мастеров излюбленным материалом был кобальт. Сочетание белого фона с синей подглазурной росписью стало типичным и для современных мастеров, работающих в производствен­ном объединении «Гжель».

Орнамент, украшающий гжельские изделия — расти­тельный. Цветы, травы, изогнутые стебли с листьями, коло­сья переработаны в декоративные. Ручная роспись характери­зуется свежестью и непосредственностью рисунка, свободно и легко располагающегося на поверхности вещи. Живопись мазка зависит от движения руки. Мастерицы гжельского промысла, наносящие роспись вручную, постепенно создали свой творческий почерк. Повторяя, казалось бы, одни и те же виды росписи при тиражировании изделий, они всегда вносят что-то новое.

В этом бесконечном богатстве вариаций заключается одна из привлекательных сторон ручной росписи гжельских мастеров.

Скопинская керамика. Город С копии Рязанской области - известный центр народного гончарства. В середине XIX века в Скопине насчитывалось свыше 50 мастерских. Но из­вестность Скопину создали выполняемые местными гончара­ми сосуды сложных причудливых форм, подсвечники в виде фигур фантастических зверей, птиц. Сосуды обильно укра­шались скульптурными изображениями фантастических зве­рей, львов, драконов. Эти образы были нередко заимствованы с лубочных картинок - рисунков с близкими простому народу темами и сюжетами, продававшихся обычно на ярмарках.

Сложные, богато разработанные формы мастера вы­полняли вручную, на гончарном круге. В этом сказывалось виртуозное владение материалом и техникой. Разнообразие форм вещей и скульптурных сказочных образов свидетельст­вует о неистощимой фантазии мастеров, Скопинские изделия обычно покрыты зелеными и желто-коричневыми потечными глазурями. Интенсивный цвет., обилие скульптурных украшении и причудливость форм сообщают искусству Скопина вы­разительность и яркое своеобразие.

Мастерство и фантазия скопинских мастеров проявля­ются при создании сосудов, кувшинов, бочонков для солений, ваз для фруктов и др. В наши дни этот промысел развивается, основываясь на выработанных традициях, но формы сосудов стали менее сложными и причудливыми.

Дымковская игрушки. Большую известность получила игрушка из слободы Дымково, расположенной близ г.Вятки. Зарождение этого промысла связывают с древним народным праздником «Свистунья», к которому в течение всей зимы мастерицы готовили разнообразные свистульки в виде коней, всадников, коров, птиц. Весенний праздник сопровождался бойкой торговлей свистульками. Их яркая красочная роспись соответствовала общему радостному весеннему настроению.

Лепились игрушки из местной красной глины, обжига­лись, затем покрывались меловым грунтом, разведенным на молоке. По белому фону игрушка расписывалась анилиновы­ми красками, разведенными на яйце. Цвета этих красок пора­жают своей силой, праздничностью. Яркая малиновая, жел­тая, синяя роспись на белом фоне обогащается орнаментами в виде точек, кружочков, кисточек. Сочетание нескольких цве­тов в одном изделии требует от мастерицы особого умения. Иногда узор покрывался кусочками сусального золота, при­дававшими изделиям еще большую нарядность.

Образы дымковских игрушек отражают городской быт. Дамы и кавалеры, кормилицы, няньки, модницы, удалые всадники отличаются яркостью красок, особой выразитель­ностью, яркой праздничностью и юмором. Форма изделий, так же, как и роспись, условна.

Со временем дымковская игрушка находит широкое применение в быту как декоративное украшение. В связи с этим значительно укрупняется и размер изделий дымковских мастериц. Часто встречаются многофигурные композиции, изображающие народные гулянья, праздники.

Дымковская игрушка близка народу метким изображе­нием характеров, остроумием, чувством радости жизни В этом ее непреходящая ценность и уникальность.

Каргопольская игрушка. Город Каргополь Архангель­ской области - это центр традиционного русского народного художественного промысла глиняной игрушки. Его происхо­ждение в Каргополе связано с богатыми местными залежами глины, которые определили его широкое развитие уже в XIX веке. Здесь делали посуду, а наряду с ней игрушки: коней, оленей, баранов и т.д. В 1930 г, потомственный гончар И.В.Дружинин возродил здесь традицию глиняной игрушки. Его расписные игрушки отмечены единством стиля; кресть­янки, охотники представлены с поразительной остротой ха­рактера; животные - кони, коровы и т.д. - наделены индиви­дуальными признаками. Они приземисты, сдержанны по рас­цветке.

Каргопольские игрушки лепились по частям: на торс насаживалась юбка, присоединялись ноги. Игрушки обжига­лись и покрывались белой краской.

Веселый Полкан-богатырь со знаком солнца на груди народной мастерицы и сказительницы М.Бабкиной наделен большой силой. Его образ связан с древнеславянской мифо­логией.

Мастерица сохранила традиционные приемы лепки и росписи. Каргопольский орнамент состоит из геометрических узоров: крест в круге - солнце, кружочки, ромбики, зигзаги, которые имели символическое значение. Каргопольские мастера используют неяркие цвета: красный, желтый, коричневый, болотный, малиновый.

Филимоновская игрушка. Деревня Филимоново Одоев­ского района Тульской области является центром традицион­ной русской глиняной игрушки. Зарождение промысла связа­но с давним производством гончарной посуды. С XIX в. филимоновская игрушка становится широко известна. Это иг­рушки, в основном свистульки, в виде фигурок животных, украшенные геометрическим орнаментом. В 1967 г. в Филимонове была создана мастерская. Традиционная филимоновская игрушка основывается на пластических качествах жир­ной глины «синики». После высыхания глины игрушки трес­каются; трещины на них заглаживаются, придавая фигуркам более вытянутую форму. При обжиге природный сине-черный цвет меняется на белый. Поэтому фон у игрушки рас­писывается анилиновыми красками, разведенными на яйце: красной, желтой, зеленой, синей, фиолетовой. Геометриче­ский орнамент состоит из полосок, солярных знаков. Нередко женские фигуры расписывают не только полосами, но и цве­тами, розетками, треугольниками. Современные мастера со­хранили в своем творчестве традиционные формы сочетания цветов и орнамент.

Кружевоплетение

Русские кружева ручного плетения известны в истории наших народных художественных промыслов с конца XVIII века. Ручное кружевоплетение возникло и сформировалось сразу как народ­ный промысел, не проходя стадии домашнего ремесла. За­падноевропейское кружево стало проникать в Россию во вто­рой половине XVII - начала XVIII вв; оно служило отделкой одежды дворян и помещиков. С распространением моды на кружева и кружевные отделки многие дворяне заводят у себя крепостные мастерские по кружевоплетению. Ранние круже­ва, относящиеся к XVIII - первой половине XIX вв., нередко выполнялись из золотых и серебряных ниток с добавлением жемчуга.

Кружева ручного плетения выполняются при помощи коклюшек-бобинок, выточенных из дерева. Перед кружевни­цей находится плотно набитый валик — подушка. На подуш­ке закрепляется рисунок будущего кружева, нанесенного на плотную бумагу. На рисунке-сколке точками обозначаются места пересечения и переплетения нитей. В руках у кружевницы от 6 до 12 пар коклюшек с льняной хлопчатобумажной или шелковой нитью.

По способу плетения кружева делятся на парные и сцепные. Парные кружева выплетаются несколькими парами коклюшек. Сцепными кружевами называются кружева, от­дельные части которых соединяются при помощи вязального крючка. Парные кружева - это обычно мерные, т.е. такие, которые можно отмерять в нужном количестве и пришивать к одежде, белью.

Кружево обычно состоит из «полотнянки», с помощью которой обозначаются, как бы рисуются, основные формы узора и решетки - ажурного линейного построения из пере­плетенных нитей, узор которого действительно напоминает решетку. Основными районами производства кружев являют­ся Вологодская область. Елецкий район Липецкой области, Михайловский район Рязанской области.

Вологодское кружево. Своей плотностью, белизной и узорчатостью они очень напоминают морозные узоры на стеклах и иней в лесу на деревьях в разгар зимы, в тихий мо­розный день

Основу вологодского кружева составляет плотная «лента-полотнянка», которую за то, что она так прихотливо вьется, обрисовывая разнообразные формы кружевного ор­намента, называют еще «вилюшкой». Для вологодского кру­жева типичен растительный орнамент. Мотив симметрично развернутого пышного куста с широкими лапчатыми листья­ми и фронтальными шести, восьми — и более лепестковыми цветами-розетками образует широкую узорную кайму кру­жевного изделия. Решетки имеют стройный, ритмически со­вершенный характер, производят впечатление прочности, на­дежности. Ассортимент вологодских кружев очень разнооб­разен, он включает в себя круглые салфетки, дорожки, ска­терти, декорированные настенные панно, оконные занавески, портьеры.

Помимо крупных монументальных интерьерных изде­лий в объединении «Снежинка» выпускаются в большом количестве отделки для женской одежды - воротнички, манже­ты, шарфы, косынки.

Елецкое кружево. Елецкое кружево в отличие от воло­годского нежнее и воздушное. Оно выплетается преимущест­венно из тонких катушечных ниток. Растительный узор с включением птиц и других изобразительных мотивов, как и в Вологде, выкладывается узкой полотнянкой - вилюжкой. Од­нако в отличие от вологодских, елецкие мастерицы делают эту полотнянку то плотной, то ажурной, придавая орнаменту еще большую невесомость.

Большое место в елецком кружеве занимают геометри­ческие мотивы - «гречишка», «паучки», «бабочка», «снежин­ка» Наряду со снежно-белыми или чуть кремовыми изготав­ливают кружево из серых, серебристых нитей с примесью современных синтетических волокон и элегантное черное кружево, изготовлявшееся в России еще в XIX в

Михаиловское кружево. Большой интерес представляет кружево, производимое в г.Михайлове Рязанской губернии. Здесь исполняли кружево плотное, из толстых нитей, не только белое, но и разноцветное, яркое. Оно хорошо подхо­дило к красочным нарядам русских крестьян. Носили его на своих рубахах не только женщины, но и мужчины. Им обши­вали женские передники, полотенца, простыни. Оно имело несложный вид заостренных зубцов - «мысов», веерообраз­ных фигур, так называемых бубенцов. В кружевах применя­лись нити всего трех цветов: белого, красного и синего, но они так умело сочетались, что каждый кусок кружева казался красочным по-новому.

В 1950-х годах происходят заметные изменения в обли­ке Михайловского кружева. Укрепляются узоры, вводятся но­вые цвета. Эти изменения в большой мере связаны с именем талантливой художницы - кружевницы Д.А.Смирновой, В ее работах впервые появляются изображения человеческих фи­гур. Д.А.Смирнова с мастерицами промысла стремится со­хранить красоту цветных узоров как уникальное явление рус­ского народного искусства.