Современный симфонический оркестр.

Что такое оркестр? Слово оркестр намного старше того понятия,

которое в него вкладывается в последние века. В древней Греции глагол

«орхеомай» означал «танцую», а оркестрой греки называли круглую площадку

театра, на которой совершал ритмические движения, пел свои партии хор,

непременный участник каждой трагедии икомедии. Шли годы, погибла Великая

античная цивилизация, но слово осталось жить. Через десятки веков в Европе

оркестром стали называть помещение в театре, где размещались музыканты, а

позже - сам «союз музыкальных инструментов и исполнителей на них».

Участники «оркестра» обычно называются «артистами оркестра», «оркестровыми

музыкантами» или просто «оркестрантами». Находясь в концертном зале, мы с

трудом можем себе представить, что было время, когда симфонический оркестр

выглядел совершенно иначе. Между тем он сравнительно молод, ему не

исполнилось еще и четырехсот лет - срок ничтожный по сравнению с десятками

веков существования музыкальной культуры. Но разве не существовало, до ХVII

века больших музыкальных ансамблей. Разве люди не собирались для того,

чтобы слушать музыку? Почему именно к концу ХVI века, относят начало

историии оркестровой музыки. Ведь совместная игра на различных музыкальных

инструментах была распространена во всей эпохи. Со времен глубокой

древности литература и изобразительные искусства, исторически хранили и

мемуары схранили для нас немало интереснейших сведений о музыкальных

ансамблях старины. Ансамбль (от французского ensemble - вместе) - группа

совместно играющих музыкантов. Музыкальные ансамбли древности порой

достигали колоссальных размеров, порой были миниатюрны. Иногда в них бывало

до 500 участников.

История знает немало музыкальных ансамблей при дворах европейских

королей и герцогов в ХV - ХVI веках. Тогда же в некоторых европейских

городах - в Венеции, Познани - стали возникать более чем менее постоянны

ансамбли духовых и струнных инструментов. Они предназначались уже не

длязнати, а для всех горожан. Такие ансамбли, по количеству музыкантов и

разнообразию инструментов уже напоминавшие оркестр исполняли музыку для

танцев, уличных шествий.

Музыкальные коллективы и многие им подобные нельзя назвать подлинными

симфоническими оркестрами. Оркестр в современном смысле слова возник лишь

тогда, когда инструментальная музыка перестала обслуживать быт людей, когда

композиторы начали писать инструментальные произведения, предназначенные не

к случаю, а для специального исполнения, перед публикой. Это связано с

зарождением светской инструментальной музыки, с появлением новых

музыкальных жанров: оперы, балета и оратории, а позже симфонии, увертюры и

концерта. Таким рубежом с которого мы можем начинать историю оркестра, был

конец ХVI века. Судьба симфонического оркестра сложилась бы вероятно иначе,

если бы в ХVI веке не была создана скрипка. В пору, когда в оркестре еще

безраздельно господствовали струнные виолы и лютни, инструментальные

мастера Италии, Франции и Тироля создали новый музыкальный инструмент. Его

красивый сочный тон, его виртуозные возможности не замедлили обратить на

себя внимание музыкантов. Скрипка вошла в оркестр, постепенно вытеснив

виолу и в значительной мере определила весь дальнейший оркестровый стиль.

В ХIХ веке столь же решительное влияние на развитие оркестра оказало

усовершенствование духовых инструментов: валторн и труб, флейт и кларнетов.

Как устроен симфонический оркестр? Попытаемся представить себе его

строение. Имеет ли значение, сколько музыкантов входит в состав оркестра?

Можно ли ввести в оркестр любой музыкальный инструмент или же выбор их

подчинен каким-то определенным законам?

Музыкальная практика нескольких веков выработала различные типы

оркестров; каждый из них имеет свои особенности: определенный состав

инструментов и их количество. Инструментальный симфонический оркестр в наше

время состоит из четырех семейств родственных инструментов, музыканты

называют их оркестровыми группами: струнные, деревянные, духовые, медные,

ударные. Большинство исполнителей в симфоническом оркестре может быть

различным. Сейчас наибольшее распространение в крупных городах всего мира

получил большой симфонический оркестр. Он закрепился в музыкальной практике

примерно со второй половины ХIХ века - в эпоху Вагнера, Чайковского и

Римского - Корсакова. Как показывает само название такого оркестра, его

отличает значительное количество участников. Но главный признак, по

которому узнают большой симфонический оркестр - это присутствие трех

тромбонов и тубы - мерных духовых инструментов, обладающих исключительной

силой звука.

Число других инструментов в большом симфоническом оркестре может

меняться. Изменяется количество струнных инструментов, однако и оно не

может быть произвольным: это повредило бы красоте звучания всего оркестра.

Если уменьшается число исполнителей в струнной группе, изменяется

количество музыкантов и в духовых семействах. Иначе в оркестре было бы

нарушено равновесие звучности. Ударная группа оркестра в ХVIII - ХIХ веках

занимала подчиненное положение. Непременным членом оркестра были только

литавры. Другие ударные инструменты - большой или маленький барабан,

тарелки или треугольник - появлялись эпизодически. В наше время роль

ударных чрезвычайно возросла, но состав их по-прежнему непостоянен.

Наиболее употребительный оркестровый состав в наши дни - тройной.

А может ли композитор допускать отклонение от него? Конечно. Если

содержание музыки требует появления какой-либо оркестровой краски, более

плотной или прозрачной звучности, композитор вправе ввести дополнительные

инструменты, увеличить или уменьшить состав. Так в опере «Кармен» в хоре

мальчиков Бизе ввел вторую малую флейту. Ни одно из сочетаний оркестровых

инструментов не смогли бы заменить здесь две малые флейты с их дразнящей,

удивительно легкой, как бы игрушечной звучностью.

Историческим предшественником большого состава оркестра был так

называемый классический состав. К концу ХVIII столетия, когда завершался

творческий путь Гайдна и Моцарта, а Бетховен лишь задумывал создание своих

трех симфоний, он сформировался в следующий вид:

10 первых скрипок 2 флейты 2 валторны 2 литавры

8 вторых скрипок 2 габой 2 трубы

6 альтов 2 кларнета

5 - 6 виолончелей 2 фагота

3 - 4 контрабаса

В конце ХIХ равно как и в ХХ веке композиторы нередко обращаются к

малому составу симфонического оркестра (в нем отсутствуют тромбоны и трубы)

в поисках более прозрачного звучания. Для малого симфонического оркестра

написан, например, оркестровый прелюд Дебюсси «Послеполуденный отдых

фабна».

Расположение музыкантов в инструментально симфоническом оркестре. В

разные эпохи возникали вопросы, например: а как рассаживаются в концерте

музыканты оркестра? Можно ли как попало разместить на эстраде 80 - 100

исполнителей? Конечно, нет. Как же целесообразнее расположить на концертной

эстраде такую большую группу музыкантов, чтобы различие по силе звука и

тембру, инструменты образовали равномерно звучащий ансамбль? Каким образом

рассадить исполнителей так, чтобы взмах палочки дирижера был виден каждому

музыканту?

Различные эпохи и различные дирижеры в наше время по-разному решали

эти вопросы. Старинные гравюры, живопись ХVII - ХVIII веков с изображением

совместного музыцирования, мемуары, музыкальные словари того времени могут

кое-что рассказать нам об этом. Во второй половине ХVIII века количество

исполнителей в оркестре увеличилось, и целесообразная «рассада» оркестра

(так музыканты часто называют расположение исполнителей на эстраде) начала

все больше занимать умы.

С тех пор прошло да столетия. Деятельность десятков дирижеров и

оркестров помогла выработать определенный принцип расположения

симфонического оркестра на эстраде. Стало ясно, что музыканты хорошо видят

дирижерскую палочку, если их рассадить веерообразно, а дирижера поместить в

месте предполагаемой оси веера. Опыт многих дирижеров подсказал и другое:

все однородные инструменты целесообразнее собрать вместе - в одну линию или

группу. Это позволяет музыкантам лучше слышать друг друга в совместной игре

и создает компактное, согласованное звучание каждой оркестровой группы.

Но хорошая звучность зависит еще и от того или иного размещения этих

групп по отношению друг к другу. Ведь - сила звука и количество

инструментов в каждой группе оркестра далеко не одинаковы и хорошая

рассадка поможет добиться равномерного звучания всего оркестра. Перед

дирижером встает много проблем. Нужно ли объединить однородные инструменты

(например, смычковые) вместе в один «кулак» или, напротив, «вытянуть» их в

одну линию вдоль эстрады? Какие из вариантов подсказывает акустика данного

зала, всегда различная? В глубине эстрады размещают инструменты большой,

резкой звучности: ударные и сильного тона медные - трубы, тромбоны, тубу, а

также контрабасы - нижний голос оркестра. На первом плане располагают

струнные инструменты, а за ними - валторны и деревянные духовые.

А как рассаживаются музыканты внутри струнной группы? Еще не так

давно дирижеры разных стран различно решали этот вопрос. В более старой

рассадке, которой долго пользовались все европейские оркестры, прямо перед

слушателями вдоль эстрады размещали скрипки: первые - слева от дирижера,

вторые - справа. Все верхние голоса струнной группы располагались таким

образом на первом плане. В последнее время повсюду принята рассадка,

впервые введенная в музыкальную практику в Америке дирижером Леопольдом

Смоковским (в Европе ее иногда называют «американской»). Верхние голоса

струнных - первые и вторые скрипки - рассаживаются слева от дирижера,

средние и низшие - альты, виолончели, контрабасы - справа. Таким образом

первые и вторые скрипки, которым часто поручается одна мелодическая линия,

собраны в компактную группу. Арфа, фортепиано и челеста, не входящие в ту

или иную группу, ставятся на одном из краев эстрады.

История возникновения «смычковых», или, как их чаще называют струнных

инструментов, уходит в самое отдаленное прошлое. На заре возникновения

оркестра, еще в ХVI столетии, струнные инструменты, хотя и входили в состав

тогдашних инструментальных объединений, но отнюдь не имели еще

преобладающего значения.

Струнные в итоге происшедшей перемены, сосредоточили на себе самое

пристальное внимание тогдашних музыкантов. В это время струнные инструменты

были представлены двумя разновидностями - виолами и скрипками. Именно они,

то есть виолы и скрипки, и составили первые «струнные оркестры»

превратившиеся к концу ХVII столетия в число скрипичное объединения из

четырех партий, - первых и вторых скрипок, теноровых скрипок и басов -

современных виолончелей и контрабасов.

В инструментальных сочетаниях ХVI столетия преобладали, как известно,

виолы. Это многочисленное семейство к тому времени было известно в трех

основных видах - сопрановый или «дискантовой» виоле, теноровой или

«ручной» виолы, и басовой или «ножной» виолы. Все эти инструменты в

подавляющем большинстве случаев располагали шестью струнами. Струны на

виолах были размещены очень близко друг от друга, гриф был разделен ладами,

- поперечными металлическими порожками, а подставка имела очень ничтожную

выпуклость.

В конце ХIХ столетия во Франции неожиданно возродился интерес к

виолам, и усилиями семейства блестящих музыкантов под руководством Анри -

Гюстава Казадэзюса возникло общество старинных инструментов, которое быстро

прославилось своими высокохудожественными выступлениями. Одним из условий

«победы» скрипки и ее ближайших родичей в образовании «струнной группы»

современного оркестра была во многом деятельность именно виол. Старинные

виолы в основном сведенные уже к четырем важнейшим видам в подражание

вокальному квартету, излагались четырехголосно - то есть в оркестре виол им

поручались четыре вполне самостоятельных голоса или партии.

В современном смычковом оркестре всем этим перечисленным

представителям виол соответствуют приблизительно скрипки, альты и

виолончели. Четвертая разновидность семейства - контрабасовая виола, одно

время известная в Италии под именем «violone», не подвергалась полному

превращению из виолы в скрипку, как о том обычно принято думать, хотя в

современном контрабасе все же сохранила наиболее существенные признаки

этого исчезнувшего уже вида инструментов. Все прочие разновидности виол -

а их было довольно много - отличались друг от друга размером, звучностью,

числом струн или внешним видом, но они никогда не были постоянными

участниками смычкового оркестра. Итак, отдаленными или, лучше сказать, -

условными родичами виолы, которыми в оркестре вскоре суждено было стать

победителями, были скрипки и виолончели. Сейчас уже не имеет значения

вопрос, когда именно была построена первая скрипка, но, судя по ее

наименованию - violino в значении отличном от siola, инструмент, этот имел

уже применение, во всяком случае ранее середины ХVI века.

Музыкальная наука не может с точностью установить происхождение

смычковых инструментов. Как известно мнений в этом направлении было много и

среди них некоторые доходили до явной нелепости. Сейчас есть основания

предполагать, что победное шествие смычковых инструментов на Запад началось

именно с Востока. Кстати в подтверждение к сказанному о развитии скрипки в

недрах славянских народов, своевременно напомнить об известной фреске в

Киевском Софийском Соборе, где именно этот инструмент изображен в руках

одного из музыкантов. Как известно, этот памятник русского зодчества

относится к Х - ХI столетию или точнее - ко времени Ярослава Мудрого.

Вполне справедливым будет признать, что скрипка никогда не была

«изобретена» она зародилась в быту славянских народов и ее дальнейшее

развитие и совершенствование или, как ошибочно думают иные, превращение из

«виолы» или «лиры до брачьо» происходило весьма последовательно и вероятнее

всего, на протяжении полустолетия между 1480 - 1530 годами. К концу ХVIII

века постепенно возраставшая техника смычковых инструментов и упорное

стремление к более полному, сочному звуку заставило исполнителей несколько

удлинить шейку старой скрипки и приподнять гриф, сообразно с увеличением

размера подставки.

Таким образом, конструктивное усовершенствование инструмента

произошло много раньше того времени, когда появились признаки настоящего

«скрипичного стиля», основанного уже на четырехструнной настройке и

сравнительно более высокой и выпуклой подставке.

Попутно с совершенствованием скрипки, происходило и постепенное

совершенствование неуклюжего смычка, бывшего в употреблении в ХVI столетии.

Этот бесконечный длительный путь пришел, наконец, к своему завершению, по-

видимому только ко времени знаменитого французского скрипичного мастера

конца ХVIII века Франсуа Турта, которому и приписывается честь этого

усовершенствования.

С этих пор определение «viola» окончательно утвердилась за теноровыми

скрипками, а виолончели отдельную басовую партию. Низкие голоса струнной

группы образовались теноровыми скрипками, басовыми виолами и басовыми

скрипками.

Теноровые скрипки - собственно альты в современном оркестре - в

старинных партитурах почти неизменно излагались в альтовом или меццо-

сопрановом ключе и обычно не обозначались.

Около 1640 года в оркестр начали постепенно проникать виолончели и

контрабасы.

Как уже известно из предыдущего история музыки считает, что скрипка

возникла и вполне «определилась» как оркестровый голос в ХVI столетии.

Новейшие исследования пришли к заключению, что скрипка, как условный

ближайший родич «ручной виолы или лиры, ни в какой степени» не является

уменьшенной «виолой до гамба». Более того, с достаточной точностью

установлено, что оба эти вида инструментов одного и того же семейства -

siola da gambo, как «ножная» виола и siola da braccio, как виола «ручная»,

- в своем устройстве имеют резко отличные друг от друга черты.

В симфоническом оркестре смычковые инструменты представляют собою

наиболее многочисленную группу, а скрипки, если только исчислить их по

признаку наибольшего представительства, обычно принятого сейчас, составит

ровно половину. Это значит, что в оркестре первых и вторых скрипок вместе

будет столько, сколько альтов, виолончелей и контрабасов. В современной -

же музыке деятельность скрипки отнюдь не исчерпывается ее участием только в

симфоническом оркестре. Ничуть не менее деятельное участие она принимает и

в оркестре струнных инструментов без какого-либо вмешательства инородных

голосов, и в камерной музыке, где обязанности ее вполне исчерпаны.

По старинному обычаю, принятому почти в каждом балете, скрипке

поручают большие solo, долженствующее сопровождать наиболее выразительный

«лирический» танец. Обычно таким танцем бывает «большой любовный

хореографический дуэт» главных персонажей спектакля, и на языке танца он

называется «Большим Adagio» или Pas d Action». В балетах Чайковского и

Глазунова, как «Лебединое озеро, Спящая красавица и Раймондо» эти

скрипичные soli отличаются особенной сложностью, выразительностью и

красотой. В концертной литературе, скрипка, наряду с фортепиано, занимает

преобладающее положение . Такого количества концертов, какое написано для

скрипки, не сочинено ни для одного оркестрового инструмента. Обильную дань

скрипичному концерту заплатили все выдающиеся композиторы - от Бетховена,

Мендельсона и Брамса до Чайковского, Глазунова и Хачатуряна включительно.

Многие композиторы пишут свои сочинения для одной скрипки без всякого

сопровождения.

Самым незадачливым инструментом современного оркестра был долгое

время альт. В основном он предназначался для исполнения средних голосов

гармонии и потому удерживался обычно на уровне наименее развитого

инструмента. Игре на альте никто не хотел учиться, считая этот инструмент

обездоленным, и в оркестре альтистами становились те неудачливые и в

достаточной мере бездарные скрипачи, которые не могли даже преодолеть

партию вторых скрипок. На альтистов смотрели как на скрипачей неудачников,

или, как говорили тогда - на «отбросы скрипачей». Сам инструмент в глазах

просвещенных музыкантов не пользовался никаким уважением. Но было ли столь

пренебрежительное отношение к альту заслужено им самим? Конечно, нет Альт

обладал настолько богатыми возможностями, что нужен был только смелый и

решительный шаг - своего рода tour de force - чтобы вывести этот инструмент

из охватившего его искусственного оцепенения. И первым таким необычным

сдвигом в данном направлении был, по видимому дерзкий опыт Этьена Мэюля,

написавшего целую оперу Uthal без первых и вторых скрипок и поручившего

«оркестровым» альтам основную и наиболее высокую партию струнных. Спустя

двадцать восемь лет в 1834 году Эктор Бэрииоз - страстный поклонник альта и

несомненно большой его ценитель - написал большую симфонию «Гарольд в

Италии», где поручил альту - solo главную партию.

Уже во второй половине ХVIII столетия, существовало фактически два

альта - один подлинный или настоящий, приближающийся к «абсолютным

величинам», инструмент, и другой - усеченный, или «недомерок»,

приспособленный для нужд оркестровых музыкантов.

Подлинный альт, которым пользовались только исполнители - концертанты

и который строили такие выдающиеся мастера, как Гаспаро да Сало, Маджини и

Страдивари, уже в то время был представлен в нескольких размерах и был

совершенно недоступен тогдашним оркестровым музыкантам.

Альт также как и скрипка, настроен квинтами, но звучность его немного

гнусава, чуть сурова и в меру привлекательна.

Альт занимает промежуточное место между скрипкой и виолончелью, но он

ближе примыкает к скрипке, чем к виолончели.

Альт по своему устройству, настройке струн и приемом игры прилежит к

скрипке больше, чем к какому-либо иному смычковому инструменту. Альт

немного больше скрипки, держится во время игры точно также и четыре струны

его - Do и Sol малой октавы и Re и La первой, - расположенные чистой

квинтой ниже скрипичных имеют три общие струны, совершенно тождественно

звучащие с ними. Больше посчастливилось немцу Хэрману Риттэру назвав его

viola alta - «альтовой виоле».

Исходя из этого нового положения, можно сказать, что технические

возможности альта почти неограниченны. Как же относились к альту наиболее

прославленные скрипачи в те времена, когда альт был «пасынком» или лучше

сказать - парнем оркестра? Известно, что такие скрипачи, как Паганини,

Сивори, Вьетан и Аляр, очень любили исполнять партию альта в квартетах и

ничуть не стыдились этого делать.

К середине ХVIII столетия, под влиянием композиторов неаполитанской

школы, значение альта в оркестре постепенно падает и он переходит на

поддержку средних голосов, в основном исполняемых вторыми скрипками.

Начиная с позднего Моцарта и Бетховена альт приобрел в оркестре то

значение, которое он собственно должен был занимать по праву. С той поры

партия альтов часто делилась на два голоса, что давало возможность

пользоваться и подлинным многоголосьем. Такие примеры изложения альтов

можно встретить в самом начале Sol-минорной симфонии Моцарта и в «Adagio ma

non troppo» финал девятой симфонии Бетховена.

При желании поручить альту solo наиболее ответственный голос

возникала естественная необходимость все прочие альта присоединять в

качестве сопровождения к скрипкам. Однако, в современном оркестре, альт до

Рихарда Вагнера пребывал все же на довольной низкой ступени развития.

Впервые именно у него встретились партии альта такой сложности, что сразу

заставили альтистов призадуматься над своим новым и быстро изменившимся

положением в оркестре. Один из таких случаев, встречается в «Увертюре» к

опере «Тангейзэр», но автор воспроизводит музыку сопутствующую сцене,

известной под именем «Грот Венеры».

Словом в оркестре обязанности альта уже не исчерпаемы. Несколько

иначе он звучит в камерной музыке, где ему поручают задачи значительно

более сложные.

Трудно с достоверностью сказать, когда возникла современная

виолончель. Возникала ли современная виолончель вполне самостоятельно или

она явилась следствием длительного совершенствования баса виолы или гамбы

- сказать невозможно. Но время судило иначе и удержало в памяти имена двух

мастеров, особенно прославившихся производством виолончелей.

Это - Гаспаро да Сало и Паоло Маджини. Они жили на рубеже ХVI - ХVII

столетия и первому из них народная молва приписывала честь «изобретения»

современной скрипки с четырьмя струнами, настроениями квинтами,

усовершенствование violone, или контрабаса виолы и наконец, создание

виолончели. Первые мастера, строившие виолончели не совсем еще ясно

представляли тот верный путь в развитии современной виолончели, который был

завершен вполне, лишь Антонио Страдивари.

Но что же все-таки представляет собою современная виолончель и на что

она способна в оркестре? Этот инструмент, также как и все прочие

представители семейства смычковых инструментов, имеет четыре струны,

настроенные бинтами. Они звучат октавой ниже альта и дают Do и Sol большой

октавы и Re и La малой. Благодаря этому объем виолончели очень велик, а

характер его звучания чрезвычайно разнообразен. Каждая струна виолончели

имеет свою собственную окраску звука, свойственную ей одной Низкий регистр

виолончели соответствует низкому мужскому голосу bassa profundo и обладает

большой полнотой звука. Этот отрезок звукоряда виолончели очень хорош в

музыке мрачной, таинственной и драматичной.

В техническом отношении виолончель вполне совершенный инструмент. Ей

доступны все технические тонкости, свойственные скрипке и альту, но для

своего воспроизведения они, как правило требуют большей затраты труда.

Словом техника виолончели сложнее скрипичной хотя и столь же блестяща. С

первых дней появления виолончели в оркестре и на протяжении целых столетий

положение ее там было крайне незавидным, никто из современников тогда даже

и не догадывался о богатейших художественно - исполнительских возможностях

виолончелей. Даже в те времена, когда музыка резко двинулась вперед,

обязанности виолончели оставались столь же скромными и даже убогими. Такой

великий мастер оркестра, как Иоган-Себастьян Бах ни разу не поручил

виолончели певучей партии, в которой она могла бы блеснуть своими

качествами.

Бетховен был несомненно первым композитором - классиком, угадавший

истинное достоинство виолончели и поставившим ее, на то место в оркестре,

какое ей подобает по праву. Несколько позднее, романтики - Вебэр и

Мэндельсон - еще более углубили выразительные средства виолончели в

оркестре. Им понадобилась уже звучность таинственная, фантастичная и

возбужденная, и они, найдя ее в звуках виолончели, воспользовались ею

достойнейшим образом.

Вполне справедливо будет заметить, что в настоящее время все

композиторы глубоко ценят виолончель - ее теплоту, искренность и глубину

звучания, а ее исполнительские средства давно уже покорили сердца как самих

музыкантов, так и их восторженных слушателей. После скрипки и фортепиано,

виолончель пожалуй, наиболее любимый инструмент, к которому обращали свои

взоры композиторы, посвящая ей свои произведения, предназначенные для

исполнения в концертах с сопровождением оркестра или фортепиано. Особенно

богато использовал виолончель Чайковский в своих произведениях, Вариациях

на тему Рококо, где представил виолончели такие права, что сделал это свое

небольшое произведение достойным украшением всех концертных программ,

требуя от исполнения подлинного совершенства в умении владеть своим

инструментом. Наибольшим успехом у слушателей пользуется, пожалуй, концерт

Сэн-Санса, и к сожалению редко исполняемый тройной концерт для фортепиано,

скрипки и виолончели Бетховена. К числу любимых, но также довольно редко

исполняемых, следует отнести Виолончельные концерты Шумана и Дворжака.

Теперь, чтобы полностью. Исчерпать весь состав смычковых инструментов,

принятых сейчас в симфоническом оркестре, остается «сказать» лишь несколько

слов о контрабасе. Подлинная «басовая» или «контрабасовая виола»

располагала шестью струнами и, по свидетельству Мишэля Коррэтта - автора

известной в свое время «Школы для контрабаса», напечатанной им во второй

половине ХVIII столетия, - называлась итальянцами «violone». Тогда

контрабас был все еще настолько большой редкостью, что даже в 1750 году

Парижская опера располагала только одним инструментом. На что же способен

современный оркестровый контрабас? В техническом отношении контрабас пора

уже признать вполне совершенным инструментом. Контрабасам поручаются вполне

виртуозные партии, выполняемые ими с подлинной артистичностью и

мастерством.

Бетховен в своей пасторальной симфонии , клокочущими звуками

контрабаса очень удачно подражает вою ветра, раскатом грома и вообще

создает полное ощущение разбушевавшейся стихии во время грозы. В камерной

музыке обязанности контрабаса чаще всего ограничиваются поддержкой басовой

партии. Таковы в общих чертах художественно- исполнительские возможности

участников «струнной группы». Но в современном симфоническом оркестре

«смычковый квинтет» часто применяется как «оркестр в оркестре».