век. Живопись Франции.

В 19 веке эпоха была довольно расшатана. Французская революция 1789 года, казнь Людовика 16 в январе 1793 года на изобретённой Гильотеном машине повергли Европу в шок.

Романтизм – это общеевропейское идейное и художественное направление. Он возник на рубеже 18 и 19 веков. Романтизм стал своеобразной реакцией на Просвещение с его культом разума и рационализма. Романтизм отразил разочарование в итогах Великой французской революции, которая не привела к созданию царства разума, а, наоборот, погрузила Европу в длительный период кровавых войн и социальных смут. Романтизм противопоставил материальности буржуазного общества разрыв с повседневной реальностью, уход в мир грёз, идеализацию прошлого. Горькая насмешка над несоответствием мечты и действительности была отражена в литературе и искусстве.

1. Появляется так называется тема «человека и судьбы». Своеобразной метафорой положения человека в непредсказуемой природе является корабль в море.

2. Ещё распространённым становится сюжет «мечта и видение».

3. Одиночество и избранность.

4. Идеал того времени – тоска.

5. Появление темы Востока – ориентализм.

6. Описание исторических явлений, событий.

7. Воспроизведение литературных сюжетов.

8. Эротика. Например, английский художник Иоганн Генрих Фюсли создаёт ряд эротических рисунков, так называемые «рисунки-симплегмы». Но совершенно в противовес распространённым тогда эротическим изображениям позднего рококо, которые старались воссоздать стыдливо прикрытую атмосферу спальни, здесь демонстрируется откровенная нагота. В этих листах эротическое нередко сопряжено со страданием, это в полном смысле слова страсть, самоотречение.

Теодор Жерико (1791-1824)

Изобразительное искусство Франции эпохи романтизма выдвинуло крупных мастеров, определивших главенствующее влияние французской школы на всё 19 столетие.

Одним из таких художников был Теодор Жерико. Он умер в возрасте всего лишь 33 лет, слишком рано, чтобы увидеть влияние своего искусства. Он был первым художником направления романтизм, мастером героических монументальных форм, которые соединили в своём творчестве и классические черты, и черты самого романтизма, и мощное реалистическое начало. Но при жизни Жерико был оценен лишь немногими близкими друзьями.

Он происходил из образованной семьи и вырос в годы взлёта Наполеона.

Жерико получил образование в мастерской Карла Верне, а затем у прекрасного педагога классицистического направления Герена, где усвоил крепкий рисунок и композицию – основы профессионализма, которые давала академическая школа. Жерико привлекали мастера мощного и широкого колорита – Караваджо, Тициан, Рембрандт, Веласкес.

В Салоне в 1812 году Жерико заявляет о себе большим полотном, носящем название «Офицер конных егерей императорской гвардии, идущей в атаку». Это стремительная динамическая композиция. На вздыбленном коне, развернувшись к зрителю корпусом, с саблей наголо представлен офицер, призывающий солдат за собой. Всадник сильно повернул корпус назад таким образом, что движение лошади противоположно направлению взгляда всадника. Жерико изображает яростного воина на коне. Романтика наполеоновской эпохи, такой, какой её представляли современники художника, выражена здесь со всем темпераментом двадцатилетнего юноши. Картина имела успех. Жерико получил золотую медаль, но государством она приобретена не была.

А следующее большое произведение «Раненый кирасир, покидающий поле боя» (1814), потерпело полную неудачу. Взгляд раненого, который ещё держит поводья поднимающейся лошади, направлен вверх, к небу, покрытому тёмными тучами. Многие видели в фигуре воина, с трудом спускающегося со склона и еле удерживающего коня, определённый политический смысл – намёк на разгром Наполеона в России, выражение того разочарования в политике Наполеона, которое испытывала французская молодёжь.

Дальше жизнь мастера потрясли трагические события личного характера. Жена друга родила ему сына, и дитя, не зная, кто его мать, воспитывалось в деревне. Жерико заботился о ребёнке, но, убегая от несчастной любви, уехал на время в Италию. Там он погрузился в изучение работ Микеланджело, Рафаэля.

Жерико ищет героические образы в современности. События, произошедшие с французским кораблём «Медуза» летом 1816 года, дали Жерико сюжет, полный драматизма и привлёкший внимание общественности.

В Сенегал отплыл фрегат «Медуза». Очевидно, из-за неопытности капитана он потерпел кораблекрушение. Газеты и посвящённая этому событию книга, а также рассказы свидетелей предали катастрофу гласности. 149 пассажиров оказались на плоту, который тянули лодки, но внезапно тросы порвались. 12 дней люди страдали от голода, жажды и отчаяния. Были случаи каннибализма. Из 15 спасшихся в живых осталось только 5.

Жерико долго взвешивал, какой момент этой истории лучше всего подходит для большого полотна: гибель судна ,мгновение, когда рвались тросы, или мытарства на плоту.

Жерико создаёт гигантское полотно 7х5 метров, на котором изображает немногих оставшихся на плоту людей в тот момент, когда они увидели на горизонте корабль. Среди них мёртвые, сошедшие с ума, полуживые и те, кто в безумной надежде всматривается в эту далёкую, едва различимую точку. От трупа, голова которого уже в воде, взгляд зрителя движется дальше к юноше, ничком упавшему на доски плота, к отцу, держащему на коленях мёртвого сына и совершенно отрешённо глядящему вдаль, и к более активной группе - смотрящих на горизонт, венчаемой фигурой негра с красным платком в руке. Картина Жерико написана в суровой мрачной гамме, нарушаемой редкими вспышками красных и зелёных пятен. Сама бурная тема раскрыта на современном драматическом конфликте. Через 5 лет после смерти Жерико именно к этой картине был применён термин «романтизм».

Плот «Медузы»

Благодаря этой картине Жерико попал в центр внимания людей, оппозиционно настроенных к существующим государственным порядкам. Жерико уехал в Англию. Там он с большим успехом представил свою картину сначала в Лондоне, а потом в Дублине и Эдинбурге.

В Англии Жерико создаёт серии литографий на бытовые темы, делает множество рисунков нищих, бродяг, крестьян, кузнецов. Как живописец, Жерико усваивает уроки колорита английских пейзажистов, прежде всего Констебла. В Англии же он находит тему своей последней большой картины «Скачки в Эпсоме». Это наиболее простое и живописное произведение, в котором он создал любимый им образ: летящие, как птицы, над землёй кони. Впечатление усиливается за счёт специального приёма: кони и жокей написаны очень тщательно, а фон широко.

Последние картины Жерико в 1822 году – портреты сумасшедших, которых он наблюдал в клинике своего друга психиатра Жорже.

В 33 года после падения с лошади художник был прикован к постели, испытывал тяжёлые физические страдания. Состояние его здоровья быстро ухудшалось. Испытывая ужасные боли, он переехал в дом своего отца и в январе 1824 года умер. Незадолго до своей смерти он сказал: «Я ничего не нарисовал, абсолютно ничего». Он так и не узнал, что весь 19 век смотрел на него снизу вверх, копировал и подделывал его картины. Он был одним из замечательных первопроходцев реализма.

Эжен Делакруа (1798-1863).

Делакруа был сыном дипломата и получил разностороннее образование. В детстве он был настоящим сорванцом. Друг детства художника, Александр Дюма, вспоминал, что «к трём годам Эжен уже вешался, горел, тонул и травился». Эжен едва не «повесился», нечаянно обмотав вокруг шеи мешок, из которого кормили лошадей овсом. «Горел», когда над его детской кроваткой вспыхнула противомоскитная сетка. «Тонул» во время купания, «травился», наглотавшись краски-медянки.

Более спокойными оказались годы учёбы. Он учился в мастерской живописца Герлена, где сдружился с Теодором Жерико, испытав его сильное влияние. В Лувре изучал живопись старых мастеров, особенно Рубенса, увлекался современной ему английской живописью, в частности, творчеством Констебла.

Делакруа был наделён страстным темпераментом и мощной творческой фантазией, поэтому с первых шагов решительно вступил на путь романтизма и вскоре стал главой романтической школы.

В 1822 году Делакруа выставил картину «Данте и Вергилий» («Ладья Данте»). Картина была полна эмоционального накала и мрачного, трагического пафоса.

Картиной «Резня на Хиосе» Делакруа откликнулся на современные события, изобразив страдания греков под турецким игом. Полотно проникнуто драматизмом и горячим сочувствием к бедствиям греческого народа, оно прозвучало протестом против жестокости и насилия, а также против поощрения турок французской политики на Балканах. Гражданская позиция художника, жизненность его образов, необычная свежесть живописи (под впечатлением пейзажей Констебла Делакруа переписал картину в светлых тонах) вызвали яростные нападки реакционной критики.

Сюжетом для этого полотна Делакруа выбрал известный эпизод времён войны Греции за независимость. В апреле 1822 года турки, пытаясь подавить повстанческое движение, вырезали практически всех обитателей острова Хиос. Это чудовищное преступление широко освещалось в европейской прессе. Приступая к работе над картиной, Делакруа своей целью ставил достижение правдивости изображения. Через своего шурина он познакомился с полковником, который был свидетелем этого события. Он подробно расспросил его о нём. Кроме того, он много работал с редкими книгами, чтобы как можно точнее воспроизвести живые цвета персидских миниатюр.

Несмотря на такую серьёзную подготовку, картина Делакруа выглядит не совсем натурально. На ней мы видим несколько отдельных групп людей на фоне пейзажа, но при этом не возникает ощущения целостности композиции. Публика в оценках этой работы художника разделилась, тем не менее, она была приобретена государством.

Резня на Хиосе

На заднем плане облаком дыма обозначен турецкий корабль, ведущий обстрел гавани острова Хиос. Внизу справа умирающая мать и её ребёнок были заимствованы из рассказа полковника Вутье.

В картине «Греция на развалинах Миссолунги» Делакруа вновь обратился к борьбе греков за национальную независимость. Холодной и условной, оторванной от официальной академической живописи Делакруа противопоставил взволнованное и напряжённое искусство, проникнутое гуманистическим пафосом, духом активного действия и борьбы. На картине изображена аллегорическая фигура Греции. Она скорбно распростёрла руки над свежей могилой греческого патриота. Эта работа связана с падением Миссолунги, последнего очага сопротивления, подавленного турками, и с лордом Байроном, при трагических обстоятельствах скончавшегося в этом городе в 1826 году.

Греция на развалинах Миссолунги

В поисках захватывающих сюжетов, мужественных, благородных героев Делакруа нередко обращался к произведениям Шекспира, Гёте, Байрона. В литографиях на темы «Фауста» и «Гамлета» Делакруа выразил тончайшие оттенки переживаний, заслужив похвалу Гёте.

В 1827 году Делакруа пишет свою самую романтическую картину. Сюжет её он взял из поэтической драмы Байрона «Сарданапал». Картину он назовёт «Смерть Сарданапала». Она вызвала бурный протест критики, художника обвинили в эротомании и смаковании жестокости. Согласно легенде, последний ассирийский царь довёл страну до мятежа. Сарданапал пытался подавить бунт, но безуспешно. Тогда он решил покончить жизнь самоубийством, превратив свой трон в погребальный костёр. Делакруа сознательно заменил трон ложем и несколько изменил сюжет Байрона. На картине Сарданапал перед тем, как совершить самоубийство, приказывает убить на его глазах любимого коня и женщин из своего окружения, а также уничтожить все его сокровища. В верхнем правом углу видна охваченная огнём башня. Царство Сарданапала погибает у него на глазах. На углах кровати вырезаны слоны. Слоны в древние времена считались знаком власти, но клыки у этих слонов обломаны.

В 1830 году под впечатлением Июльской революции Делакруа написал большое историческое полотно «Свобода, ведущая народ» («Свобода на баррикадах»). Здесь символический образ свободы окружён фигурами реальных участников революции.

В дыму канонады молодая женщина Свобода ведёт на приступ народ Парижа, в блеске июльского солнца её формы кажутся скульптурно выпуклыми. Сцена происходит в самом сердце Парижа, у городской ратуши. Воодушевлённый трёхцветным знаменем, захваченный успехом революции, Делакруа приступил к работе 20 сентября, чтобы прославить в большой композиции это значительное событие. В марте 1831 года он получил за неё награду, а в апреле выставил картину в Салоне. Картина своей неистовой силой отталкивала буржуазных посетителей, которые к тому же упрекали художника за то, что он показал только чернь в этом героическом действии.

Слева фигура размахивающего клинком мастерового символизирует рабочий класс Парижа, который сыграл ведущую роль в восстании. В сражении участвует и уличный мальчишка. Его вскинутая вверх рука с пистолетом повторяет жест Свободы. На заднем плане видны башни Собора Парижской богоматери, окутанные дымом сражения.

Свобода на баррикадах

В 1832 году Делакруа совершил путешествие в Алжир и Марокко. По многочисленным зарисовкам с натуры Делакруа написал ряд картин: «Алжирские женщины», «Еврейская свадьба в Марокко», «Арабские комедианты».

Особенно поразил Делакруа во время его поездки по Северной Африке гарем, который он посетил в портовом городе Алжире. Бывший корсар, а теперь местный султан, оказал честь европейскому гостю, показав ему свои владения. Делакруа заглянул в святая святых мусульманского мира. Здесь шла своим чередом привычная и немного сонная жизнь, а наложницы в цветистых арабских нарядах были не романтичными, а самыми обыкновенными женщинами.

Алжирские женщины

Еврейская свадьба

В 1850-е годы признание Делакруа стало неоспоримым. В 1851 году его избрали в городской совет Парижа. В 1855 году была организована персональная выставка Делакруа.

Умер художник от рецидива болезни горла 13 августа 1863 года в своём парижском доме в возрасте 65 лет.

Творчество Делакруа принадлежит к вершинам мировой живописи 19 века благодаря его героическому свободолюбивому духу, драматическому ощущению противоречий жизни, смелости мысли.