Архитектура А. Палладио.

Современник Виньолы Андреа Палладио (1508—1580), творчеством которого завершается период позднего Ренессанса, ограничил свою деятельность родным городом — Виченцей, но его роль в развитии итальянской и мировой архитектуры выходит далеко за пределы Северной Италии.

Работы Палладио характеризуют совершенство в построении ордера, прекрасная отработка деталей и особая пластичность, мягкость всех элементов архитектуры. Палладио построил в Виченце ряд палаццо, а в ее окрестностях — несколько вилл для местной знати.

Палаццо, построенные Палладио, двухэтажные, что характерно для Северной Италии, фасады их оформлены с использованием ордеров, но в каждом они введены в особом варианте.

Свои принципы Палладио еще в большей степени реализовал в палаццо Кьерегати (строительство началось в 1551 г.), который позднее стал примером для многих сооружений раннего барокко.

В палаццо Изеппо да Порто первый этаж, обработанный рустом, играет роль пьедестала, на котором установлены ионические полуколонны второго этажа.

Чрезвычайный интерес представляют виллы Палладио. Они развивают в разных вариантах одну принципиальную схему: основной призматический объем с портиком и венчающим его фронтоном дополняется по сторонам галереями, завершаемыми небольшими флигелями. Этот тип композиции был воспринят и широко использован архитектурой классицизма — западноевропейской и русской.

Наиболее известная вилла Палладио — вилла Ротонда (заложена в 1553 г.) — не имеет боковых галерей и в этом отношении является исключением среди других аналогичных сооружений. План ее квадратный. Четыре идентичных фасада наделены колонными портиками с фронтонами. Здание увенчано плоским куполом, его центрирующим. Как всегда у Палладио, в этом сооружении пленяет изумительная гармоничность пропорций.

Одной из его значительных построек является театр Олимпико, строительство которого в Виченце было начато в 1555 г. и завершено архитектором Скамоцци в 1585 г.

Творчество Палладио оказало огромное воздействие на мировую архитектуру, прежде всего на архитектуру классицизма второй половины XVIII и первой половины XIX века.

В 1545 году Палладио выиграл конкурс на право перестройки городской ратуши XIII века. Палаццо делла Раджоне (сейчас — Базилика Палладио; 1546—1549) в Виченце. В этой постройке формируется одна из основных особенностей творческого метода Палладио — он создает новую систему пропорций ордеров, используя ордер не как простую декорацию фасада, а как главный организующий принцип конструкции, из-за чего она становится ясной, кажется просто и ясно организованной, гармоничной.

Дворцовые постройки

Внимательно изучая «Десять книг об архитектуре» Витрувия и развив его идею дома с атриумом и перистилем, зодчий создал новый тип городского дворца — палаццо. Ранние палаццо в Виченце (палаццо Тьене, 1550—1551; Изеппо да Порто, 1552) ещё близки флорентийским палаццо XV века.

В оформлении фасадов ряда вилл и городских домов Палладио нередко применял большой ордер (недостроенное палаццо Порта-Бреганзе в Виченце, 1571). Огромные колонны на высоких постаментах зрительно объединяют окна первого и второго этажей, затеснённые между колоннами.

Церкви

В Венеции Палладио по заказам Церкви выполнил несколько проектов и построил ряд церквей (Сан-Пьетро ин Кастелло, 1558; клуатр церкви Санта Мария делла Карита [ныне Музеи Академии]; фасад церкви Сан-Франческо делла Винья, 1562; Сан-Джорджо Маджоре на одноименном острове, 1565 [завершена В.Скамоцци к 1610]; «Иль Реденторе», то есть [церковь] Спасителя, на острове Джудекка, 1576—1592; Санта-Мария делла Презентационе, или «Ле Цителле»; Санта-Лучия, разобрана в сер. XIX в. при строительстве железнодорожной станции). Если виллы Палладио в целом объединяет впечатление гармонии и умиротворенности форм, то в его церквах главное — динамика форм, иногда — взволнованная патетика.

25. Периодизация и общая характеристика Северного Возрождения.

Северное Возрождение — термин, использующийся для описания эпохи Возрождения в северной Европе, или более обобщающее — во всей Европе за пределами Италии, к северу от Альп. Северное Возрождение тесно связано с итальянским Возрождением, но имеется ряд характерных отличий. Как таковое, Северное Возрождение не являлось однородным: в каждой стране оно имело определённые специфические черты. Так, культурология разделяет немецкое, нидерландское, французское, испанское, английское, польское Возрождение и др. В отличие от итальянского Возрождения, для Северного Возрождения характерны большая стойкость средневековых традиций, интерес к индивидуальной неповторимости человека и его окружению (к интерьеру, натюрморту, пейзажу). Искусство стран Северного Возрождения связано с готикой, национальной традицией. Истоки его некоторые специалисты возводят к середине 14 в., когда при блестящем дворе герцогов Бургундских творили выдающиеся мастера (братья Лимбург, Х. Мемлинг и др.), в чьем творчестве уже заметен поиск индивидуальной характеристики, стремление к созданию целостной картины прекрасного мира.

Влияние Италии Художественное развитие Нидерландов, Германии и Франции в момент перехода от средневековья к Новому времени обладает чертами общности, особенно отчетливо выступающими при сопоставлении их с Италией. Средневековая готическая традиция была здесь устойчивее; ее влияние заметно сказывалось вплоть до первой трети 16 века, а в некоторых сферах творчества (архитектура, скульптура) оставалось даже преобладающим. Сами процессы обновления культуры в странах отличались той последовательностью, которую можно наблюдать в Италии, они протекали неравномерно – быстрее в живописи, медленнее в других видах искусства – и, как правило, не сопровождались синхронным теоретическим осмыслением. Изучение линейной перспективы, анатомии, поиск идеальных пропорций человеческого тела шли в североевропейских странах, главным образом, по линии накопления эмпирических наблюдений, не становясь предметом систематического научного изучения. Контакт с искусством классической древности также не был здесь столь прямым и непосредственным как в Италии. Столь характерная для Италии ориентация на античные образцы в изобразительном искусстве и архитектуре Северной Европы дает о себе знать не раньше 16 века. Названные отличия от классической итальянской модели Возрождения имеют в своей основе причины глубинного мировоззренческого порядка. Ренессансный "гуманизм" – рационалистическая антропоцентрическая философия, аппелирующая, к примеру, древних – сравнительно поздно, лишь в 16 веке, обрел приверженцев в североевропейских странах. Подлинным духовным стержнем перемен происходивших в культуре этих земель, средоточием интеллектуальной жизни, главным пунктом споров и полемики были идеи религиозного обновления. Процессы становления новой этики, новой системы взглядов на роль в обществе, новых представлений о свободе и ответственности человека были связаны с борьбой за реформу церкви и оказывали решающее воздействие на художественное развитие. Вне контекста глубоких духовных перемен привнесенных в европейскую культуру реформацией не может быть правильно понята сущность искусства Северного Возрождения.

26. Нидерландская живопись. Ван Эйк, Рогир ван Вейден. Босх, Питер Брейгель Ст.

Новизна ранней нидерландской живописи заключалась, с одной стороны, в детализированном описании поверхностей предметов, а с другой стороны, в пластичности, достигаемой за счёт точно подмеченных и удачно применяемых световых эффектов. В основу нового стиля легла новая живописная техника – масло. Нидерландская школа живописи 15 в. отмечена пристальным вниманием к деталям, пониманием ценности каждого явления, общим ощущением одухотворенности, разлитым в воздухе (Ян ван Эйк, Рогир ван дер Вейден; некоторые мастера этой школы работали при бургундском дворе). Творчество крупнейшего нидерландского художника этого периода Иеронима Босха лишь в пейзажных далях сохраняет этот восторг перед божественной красотой мироздания, в его произведениях торжествует сатирико-морализирующая линия, восходящая к народным традициям Средневековья. Влияние Босха ощутимо в произведения Питера Брейгеля, сумевшего подняться до высот философских обобщений о месте человека в мироздании. Пройдя школу в Италии, Брейгель показывают мощь и красоту фигур крестьян, далеких от античных образцов, но живущих в тесном единении с природой. Сильнейшее влияние на искусство Нидерландов оказала Реформация: религиозная картина утратила свое значение, получили развитие светские жанры — портрет, пейзаж, бытовой жанр.

Ян ван Эйк Живопись стала в Нидерландах единственной, кроме музыки, сферой культуры, которая дала в эпоху Возрождения памятники не только национального, но и мирового значения. Ее развитие шло своеобразными путями. В XV в., начиная с творчества Яна ван Эйка, она опережала живопись всех стран Европы, кроме Италии; в XVI в., отличаясь необыкновенным разнообразием, обилием мастеров разных местных центров, общим высоким художественным уровнем, она выдвинула лишь одного великого художника — Брейгеля, но зато подготовила почву для нового блистательного расцвета искусства во Фландрии и Голландии XVII в. Основателем нового направления в живописи Нидерландов, которое на протяжении столетия осуществляло переход от готики к Ренессансу, все шире распространяя в среде художников свои завоевания, был Ян ван Эйк (1390—1441). Вместе со старшим братом Губертом он начал работу над грандиозным многостворчатым Гентским алтарем, предназначенным для городского собора, но после кончины брата, трудясь еще шесть лет, стал главным создателем этого шедевра, завершенного в 1432 г. Ян ван Эйк опирался на первый опыт правдивого изображения жизни в франко-фламандской миниатюре братьев Лимбург и в религиозной живописи своего старшего современника Робера Кампена, но его собственное искусство обладало и большим художественным совершенством, и иной мерой новаторства, основанного на глубоком постижении поэтической красоты и бесконечного многообразия мира. Образы десятков персонажей и отдельные сцены, в том числе с панорамными пейзажами, написаны в Гентском алтаре с ювелирной тонкостью, пронизаны благоговейным отношением к человеку и миру. Все изображенное насыщено «скрытым символизмом», предметы и их сочетания имеют иносказательное религиозно-нравственное значение. В портретах заказчиков-донаторов скрупулезная точность следования натуре сочетается у художника с остротой характеристики индивида. Эта линия искусства Яна ван Эйка была затем развита им в парном портрете итальянского купца Арнольфини с его женой, изображенных в комнате в момент бракосочетания, и в других работах. Чтобы полнее выразить свое ощущение «мира как рая», каждая частица которого прекрасна и причастна общей одухотворенности, художник усовершенствовал технику масляной живописи и продемонстрировал такое богатство ее возможностей, такую светоносную красочность, что его открытия подхватили в Италии поры раннего Возрождения, а также и в других странах. Ясная и спокойная красота образов Яна ван Эйка была сродни творчеству итальянских мастеров XV в., хотя он опирался в своем искусстве лишь на множество живых и непосредственных наблюдений натуры, не подкрепленных, как в Италии, целой системой научных знании. В композиции, рисунке, построении пространства, как и в своем мироощущении в целом, художник еще тесно связан с готической традицией. Начинания Яна ван Эйка были подхвачены и использованы целой плеядой выдающихся нидерландских художников XV в.

Иероним Босх На рубеже двух веков Иероним Босх (до 1460—1516) связал воплощение по-ренессансному многообразных и острых впечатлений от современного быта, типов людей, мира природы с мрачной и горькой фантастикой, демоническими образами кишащей повсюду нечистой силы. Это воскрешение и резкое сгущение средневековых фольклорных представлений Босх осуществлял, широко используя гротесковые монтажи живого и механического, ужасающего и комического в образах, которые напоминали бредовые видения. Свой пессимистический взгляд на человека Босх выразил в динамичных композициях, имевших одной из главных целей моральное назидание зрителей. В XVI в. расширение культурных связей с Италией способствовало распространению в Нидерландах эклектического течения «романизма», стремившегося соединить нидерландские традиции с опытом итальянского (особенно римского) Ренессанса, а затем и маньеризма. Он оказал воздействие на творчество антверпенского мастера алтарей и портретов Квентина Массейса (1465—1530), на крупнейшего северонидерландского художника XVI в. Луку Лейденского (1494—1533), одного из создателей бытового жанра в живописи и гравюре, но характернейшим выразителем особенностей этого течения впервые стал Ян Госсарт (ок. 1480—ок. 1536). Романизм, прошедший через весь XVI в., содействовал существенному усилению светских тенденций в искусстве. Он обогатил нидерландскую живопись образами античной мифологии, аллегориями, интересом к обнаженной натуре, новыми решениями композиций, знаниями перспективы и анатомии. Родился новый тип художника — гуманистически образованного, увлеченного различными отраслями знания. Вместе с тем романизм привел к такой степени интернационализации искусства и равнения на образцы, когда утрачивалась национальная самобытность живописи, а высокая виртуозность оттесняла собственно творческое начало и делала искусство холодным. Развитие романизма, поддержанного придворно-аристократическими вкусами, оказало значительное влияние на декоративное искусство, особенно на создание шпалер, которыми славились Нидерланды. В шпалерах появились мифологические, батальные, охотничьи сюжеты, которые изображались с правильным построением перспективы, использованием объемных фигур. Особенностями живописи XVI в. было ее развитие во многих художественных центрах, в том числе и на севере страны, формирование различных светских жанров, особенно портрета, пейзажа, бытовой картины, появление все более четких по своей специфике внутрижанровых градаций — индивидуального, группового, парадного портретов, ночных, морских, зимних пейзажей. К концу века в силу растущей рыночной конкуренции усилилась жанровая специализация художников, подготавливавшая одну из характерных особенностей XVII в. С другой стороны, среди нидерландцев, многие из которых работали при дворах за рубежом, прежде всего в Праге, было немало мастеров-универсалов. Об истории искусства родины рассказал в своей книге о художниках Карел ван Мандер. Его труд 1604 г. стал своеобразным подведением итогов эпохи. До настоящего времени сохранилась лишь малая часть работ ранних нидерландских художников. Бессчетное количество картин и рисунков пали жертвой иконоборчества во времена реформации и войн. Кроме того многие работы получили серьёзные повреждения и нуждаются в дорогостоящей реставрации. Некоторые произведения сохранились лишь в копиях, большинство же утеряно навсегда.

Питер Брейгель Старший Наиболее полным выражением специфики и кризиса нидерландского Возрождения стало опиравшееся на многообразные национальные традиции и фольклор творчество Питера Брейгеля Старшего (ок. 1525—1569). Широко образованный, хорошо знакомый также и с итальянской живописью, он за любовь к народной тематике был прозван «Мужицким». В отличие от Италии, где искусство Ренессанса, как и гуманизма, ставило в центр внимания образ человека, Возрождение в Нидерландах и искусство Брейгеля расставляло акценты по-другому: их интересовал мир и человек, находящийся в нем как частица мироздания, величественного бытия природы. Нидерландский живописец и рисовальщик. Учился у П. Кука ван Альста в Антверпене. Работал в Антверпене (в гильдии живописцев Св. Луки с 1551) и Брюсселе (с 1563). Наиболее значительный живописец Нидерландов XVI в. и один из крупнейших художников всего европейского искусства этого столетия. Жизнь народных масс впервые становится у него основой универсальной картины мира. Начинал свое творчество как рисовальщик. Был связан с антверпенским гравером и издателем И. Коком, публиковавшим многие рисунки Брейгеля, переведенные в гравюру. Первоначально это величавые панорамы альпийских пейзажей, открывающиеся с высоты птичьего полета; позже появляются гравюры по аллегорическим рисункам с многочисленными мелкими фигурками, напоминающими монструозные образы Босха. Первые живописные произведения художника датируются концом 1550-х. В оставшееся десятилетие жизни им были созданы картины, признанные шедеврами мирового искусства. В противоположность своим предшественникам и современникам Брейгель почти не обращался к религиозной тематике, редко писал алтарные композиции. Большинство его произведений — либо аллегории и притчи, заимствованные из фольклора, либо реальные картины народной жизни. Живописец работал в период начала борьбы Нидерландов за независимость против испанского владычества. Борьба сопровождалась религиозными движениями, глубоко связанными с укреплением национального самосознания народа. Эта сложная эпоха, показавшая, с одной стороны, мощь народного противостояния, с другой — трагические последствия неравной борьбы и взаимной ненависти, нашла в творчестве Брейгеля прямое или опосредованно-иносказательное выражение. Самые ранние картины исполнены в конце 1550-х — 1560-м. Это — Фламандские пословицы (1559, Берлин, Гос. музеи), Битва Масленицы и Поста (1559) и Детские игры (1560, обе — Вена, Музей истории искусства). Их сближает не только общность композиционного построения, но и фольклорность сюжетов. Действие происходит на городских площадях и улочках, заполненных множеством мелких человеческих фигурок. Панорамное решение пространства дает возможность наблюдать необычайное разнообразие бытовых сцен, поступков и взаимоотношений людей, богатство их силуэтов, жестов и поз. Масса увлекательных, зачастую сатирических деталей предлагает зрителю стать любознательным очевидцем происходящего. Художник показывает персонажи в разнообразных игровых ситуациях, восхищая нас своей неистощимой изобретательностью. Пестрота цветовых пятен подчеркивает зрелищную остроту этого живописного карнавала. В произведениях середины 1560-х Брейгель предстает уже совершенно иным мастером. В одном и том же — 1565-м — им создан цикл больших картин, посвященных месяцам или временам года; это, пожалуй, наиболее гармоничные и целостные из его созданий: Сумрачный день. Весна, Возвращение стад. Осень, Охотники на снегу. Зима (все — Вена, Музей истории искусства) и Жатва. Лето (Нью-Йорк, музей Метрополитен). Отношение к миру, народной жизни, природе здесь значительно изменилось, перерождаясь из сатиры в величественный эпос. Каждая из картин — монументальный символ поэтических представлений о временах года как о вечной череде картин мироздания. Показательно, что художник обращается на этот раз не к городской, а к сельской жизни, быту и трудам крестьян, теснее всего зависимых от годового природного цикла. В отличие от картин конца 1550-х первый план теперь чаще всего занят отдельной жанровой сценой, давшей название произведению; сцена эта происходит на возвышении, за которым уходящий вглубь пейзаж с рекой, рощами, полями и деревушками. Это родная природа, увиденная не только глазами, но и духовным зрением тех, кто изображен вблизи (озябшие охотники, спешащие в свои теплые жилища; усталые пастухи, что гонят стадо к дому; косцы возле тучных хлебов и т. д.). Эмоциональное воздействие произведений усиливается тонко продуманной колористической гаммой, соответствующей состоянию погоды и времени года. Здесь уже нет пестроты и дробности предыдущих картин, в каждой композиции господствует единая тональность. Заснеженная земля в соседстве с голубовато-зеленым льдом прудов и тускло-синим небом создает ощущение стылого холода в Зиме. Ржавая листва, блеклая бурая трава, рыжие бока коров, грязная глинистая дорога выстраивают цветовой ряд поздней осени. Столь же наполнена жизненным смыслом разработка цвета и в других картинах цикла. Глядя на эти произведения, зритель проникается ощущением глубокого единства жизни человека и природы, осознанием того, что подлинная ценность бытия в этом единстве и состоит. Созданные в конце жизни работы Брейгеля знаменуют еще один этап. Художник как бы вплотную приближается к народу, создавая характерные типы и сцены его быта (Крестьянская свадьба и Крестьянский танец, обе — 1568, Вена, Музей истории искусства). Колорит теперь строится на крупных цветовых пятнах первопланных фигур. Танец весь пронизан вихревым движением, в стихии пляски есть что-то исступленно-самозабвенное. Бурной динамике танцующих противостоит тихий покой деревенской улочки с ее пушистыми деревьями, уходящими вдаль. В Свадьбе событие происходит в замкнутом пространстве, заполненном людьми, сгрудившимися вокруг диагонально расположенного длинного стола. Изображены, казалось бы, праздничные сцены, но в лицах участников нет ни веселья, ни радости. Облик их разнообразен: здесь старики, молодежь, женщины, дети. Художник очень наблюдателен, остро подмечая индивидуальные жесты, мимику грубоватых физиономий; он видит и то, что чувства крестьян примитивны, оставаясь на уровне животного инстинкта, и это тревожит мастера как свидетельство греховного несовершенства человеческой натуры. Противоречие между жизнью природы и человеком, наметившееся в Крестьянском танце, получает трагическое завершение в картине Слепые (1568, Неаполь, Нац. музей и галереи Каподимонте). Вереница уродливых слепцов, вслед за поводырем падающих в воду, символизирует безысходную участь заблудшего в пороках человечества. И тут же мы вновь видим вечную прелесть природы, живущей своей мирной и тихой жизнью. Создав философскую притчу, полную горечи и пессимизма, несомненно, навеянную реальным драматизмом рубежно – революционного периода истории Нидерландов, мастер трансформирует религиозные представления о мире в поэтическую метафору безмерной и грозной власти слепой судьбы. В написанном около 1562 «Триумфе Смерти» Брейгель, как бы глядя на мир сквозь призму Босха, создает жуткий «панегирик» Смерти: в зареве пожаров ставшая бесплодной и безлюдной земля, покрытая столбами с колесами пыток и виселицами; на горизонте — такое же пустынное море с гибнущими кораблями. Впечатление зловещей фантастичности усилено еще и тем, что Брейгель представил Смерть в виде бесчисленных полчищ воинов-скелетов, влекущих толпы людей — кардиналов и королей, крестьян и солдат, женщин и монахов, рыцарей, любовников, пирующих — к огромному распахнутому гробу. Человечество перед лицом Смерти предстает как бессильная множественность слепых частиц в царстве бессмыслицы, жестокости и всеобщей гибели. Творчество Брейгеля — вершина и итог развития Возрождения в Нидерландах, причем итог кризисный. С одной стороны, художник максимально использует мотивы новой, антропоцентрической ренессансной философии для создания обобщенных образов мира и человека в нем. С другой — он явно демонстрирует свое разочарование в якобы безграничных возможностях человека, а следовательно, и разочарование в самих ренессансных идеях, предвосхищая тем самым наступление новой эпохи, связанной с формированием маньеризма.

27. Немецкое Возрождение. Дюрер, Лукас Кранах Старший, Ганс Гольбейн(Младший).

Немецкое искусство ХV века можно охарактеризовать не как раннее Возрождение, а как переходный период. Отличительные черты: - Связь с протестантизмом. - Основные произведения – алтари. - Приверженность поздней готике. - Лаконизм, аскетизм. - Типизация образов. - Отсутствие пышных деталей. - Большое развитие получила книжная графика, гравюра. - Художники одновременно живописцы и гравёры. Начало нового этапа в развитии искусства Германии относится к 1430-м гг. (Л. Мозер. Х. Мульчер, К. Виц). Собственно Возрождение началось в Германии на рубеже 15 и 16 вв. и закончилось уже в 1530—40-х гг. Искусство Возрождения в Германии было тесно связано с национальной позднеготической традицией и несёт на себе отпечаток классовых битв. На него оказали большое влияние идеи Реформации и Крестьянской войны 1524—26, придав ему во многом социальную, а нередко и классовую направленность. Своеобразие немецкого Возрождения раскрывается в живописи и графике.

К Дунайской школе относят ранние картины Лукаса Кранаха Старшего, произведения А. Альтдорфера, В. Хубера и др. художников, отличающиеся свободой художественной фантазии, яркой эмоциональностью, пантеистическим восприятием природы, лесного или речного пейзажа, интересом к сказочно-легендарной окраске сюжета; они выделяются также динамичной, порывистой манерой письма, острой выразительностью рисунка, интенсивностью цветовых решений. Тенденции искусства Возрождения переплетены в Дунайской школе с традициями поздней готики. Творчество Дюрера определило ведущее направление искусства немецкого Возрождения. Влияние его па современных художников, в том числе и на художников Дунайской школы, было велико; оно проникло даже в Италию, во Францию. Одновременно с Дюрером и вслед за ним выступила плеяда крупных художников. Среди них были тонко чувствующий гармонию природы и человека Лукас Кранах Старший (1472—1553) и наделенный огромной силой воображения Маттиас Готхардт Нейтхардт, известный под именем Маттиас Грюневальд (ок. 1475—1528), связанный с мистическими народными учениями и готической традицией. Его творчество проникнуто духом бунтарства, отчаянного исступления или ликования, высоким накалом чувств и мучительной экспрессией то вспыхивающего, то замирающего, то гаснущего, то пламенеющего цвета и света. Окончательную самоценность получает искусство печатной гравюры на дереве и металле, в период Реформации ставшее поистине массовым. Рисунок из рабочего эскиза превращается в отдельный вид творчества; индивидуальная манера мазка, штриха, а также фактура и эффект незаконченности (нон-финито) начинают цениться как самостоятельные художественные эффекты.

Выдающимся представителем Возрождения в Германии, творчество которого определяло немецкое искусство в течение длительного времени, был живописец и мастер гравюры Дюрер. Считается, что Дюрер был равно одарен как живописец, гравер и рисовальщик; рисунок и гравюра занимают у него большое, подчас даже ведущее место. Наследие Дюрера-рисовальщика, насчитывающее более 900 листов, по обширности и многообразию может быть сопоставлено только с наследием Леонардо да Винчи. Он блестяще владел всеми известными тогда графическими техниками — от серебряного штифта и тростникового пера до итальянского карандаша, угля, акварели. Как и для мастеров Италии, рисунок стал для него важнейшим этапом работы над композицией, включающим в себя эскизы, штудии голов, рук, ног, драпировок. Это инструмент изучения характерных типов — крестьян, нарядных кавалеров, нюрнбергских модниц. Дюрер оказал огромное влияние на развитие немецкого искусства первой половины XVI века. Величайший мастер гравюры в Европе, Дюрер прославился своим циклом работ на темы «Апокалипсиса» (1498). Его разносторонняя деятельность стала одним из воплощений «титанизма» Возрождения. Он — единственный мастер Северного Возрождения, который по направленности и многогранности своих интересов, стремлению овладеть законами искусства, разработке совершенных пропорций человеческой фигуры и правил перспективного построения может быть сопоставлен с величайшими мастерами итальянского Ренессанса. Пору расцвета искусства немецкого Возрождения часто называют «эпохой Дюрера». Дюрер был крупнейшим гуманистом Возрождения, но его идеал человека отличен от итальянского. Глубоко национальные образы Дюрера полны силы, но и сомнений, иногда тяжких раздумий, в них отсутствует ясная гармония Рафаэля или Леонардо. Художественный язык усложнен, аллегоричен. Уже в 1490 г. Дюрер покидает Вольгемута и начинает самостоятельную творческую жизнь. Он много ездит по Германии, Швейцарии, много занимается гравюрой как на дереве, так и на меди и становится вскоре одним из самых крупных мастеров гравюры в Европе. Тема смерти — частая тема его графических листов. Дюрер — философ, но философия его лишена непосредственной жизнерадостности и бодрого оптимизма итальянского Возрождения. В середине 90-х годов Дюрер в первый раз едет в Италию, в Венецию, изучает античные памятники. Из современных художников наибольшее впечатление на него оказывает Мантенья с его четким рисунком, выверенностью пропорций, с его трагическим мироощущением. В конце 90-х годов Дюрер исполняет серию гравюр на дереве на темы Апокалипсиса, в которой средневековые образы переплетаются с событиями, навеянными современностью; несколько позже создает Малые и Большие (по величине досок) «Страсти Христовы» и несколько живописных автопортретов. Дюрер первый в Германии плодотворно разрабатывает проблемы перспективы, анатомии, пропорций. На автопортретах Дюрера видно, как от фиксации узкоконкретного (портрет 1493 г.) он идет к созданию образа более цельного, полнокровного, исполненного явно под влиянием итальянских впечатлений (1498), и приходит к образу, полному философских раздумий, высокого интеллекта, внутреннего беспокойства, столь характерного для мыслящих людей Германии того трагического периода истории (1500). В 1505 г. Дюрер вновь едет в Венецию, где восхищается колоритом венецианцев: Джанбеллино, Тициана, Джорджоне. «А то, что мне 11 лет назад нравилось, это мне сейчас совсем не нравится»,— запишет он в своем дневнике. В картине «Праздник четок» (другое название — «Мадонна с четками», 1506) при некоторой перегруженности многофигурной композиции на колорите в полной мере сказалось влияние венецианцев. По возвращении домой Дюрер несомненно под воздействием итальянского искусства пишет «Адама» и «Еву» (1507), в которых выражает свое национальное понимание красоты и гармонии человеческого тела. Но прямое следование классическому канону — не путь Дюрера. Ему свойственны более остро индивидуальные, драматические образы. К середине 10-х годов относятся три самые знаменитые гравюры Дюрера: «Всадник, смерть и дьявол», 1513; «Св. Иероним» и «Меланхолия», 1514 (резец, гравюры на меди). В первой из них изображается неуклонно движущийся вперед всадник, несмотря на то, что смерть и дьявол искушают и пугают его; во второй — сидящий в келье за столом и занятый работой св. Иероним. На переднем плане изображен лев, более похожий на лежащего тут же старого, доброго пса. Об этих гравюрах написаны тома исследований. Им давались разные толкования: в них усматривали попытку отразить положение рыцарства, духовенства, бюргерства, а в образе св. Иеронима видели писателя-гуманиста, ученого новой ренессансной эпохи. Третья гравюра — «Меланхолия». Крылатая женщина в окружении атрибутов средневековой науки и алхимии: песочных часов, ремесленных инструментов, весов, колокола, «магического квадрата», летучей мыши и пр. — полна мрачной тревоги, трагизма, подавленности, неверия в торжество разума и силы знания, овеяна мистическими настроениями, отражающими, несомненно, настроения общие, характерные для всей атмосферы, в которой жила родина художника в канун Реформации и крестьянских войн. В 20-е годы Дюрер путешествует по Нидерландам, находится под обаянием живописи Яна ван Эйка, Рогира ван дер Вейдена, но идет собственным путем, вырабатывая лишь ему присущий стиль. В этот период он пишет свои лучшие портреты наиболее близких ему по духу представителей немецкой интеллигенции: художника ван Орлея, графический портрет Эразма Роттердамского — образы психологически выразительные и чеканно-лаконичные по форме. В изобразительном языке Дюрера исчезает всякая дробность, красочная пестрота, линеарная жесткость. Портреты цельны по композиции, пластичны по форме. Высокое одухотворение, подлинная сила духа отличает каждое лицо. Так художник сочетает идеальное начало с конкретно-индивидуальным. В 1526 г. он создает свое последнее живописное произведение — «Четыре апостола», станковое по форме и назначению, но истинно монументальное по величавости образов. Некоторые исследователи видели в нем изображение четырех характеров, четырех темпераментов. Каноническим типам апостолов Дюрер придал глубоко индивидуальную характеристику, не лишив их вместе с тем синтетичности, обобщения, что всегда было одной из задач Высокого Возрождения. Произведение написано на двух досках, в левой – на передний план Дюрер выдвинул не чтимого особо католической церковью Петра, а Иоанна — апостола-философа, наиболее близкого мировоззрению самого Дюрера. В апостолах, в их разных характерах он давал оценку всему человечеству, провозглашал человеческую мудрость, высоту духа и нравственности. В этом произведении Дюрер выражал надежду на то, что будущее принадлежит лучшим представителям человечества, гуманистам, способным повести людей за собой. Как истинный представитель ренессансной эпохи, подобно многим итальянским художникам, Дюрер оставил после себя значительные теоретические труды: трактат о пропорции и перспективе «Руководство к измерению», «Учение о пропорциях человеческого тела», «Об укреплении и защите городов».

 

 






Дата добавления: 2016-07-05; просмотров: 2496; ЗАКАЗАТЬ НАПИСАНИЕ РАБОТЫ


Поиск по сайту:

Воспользовавшись поиском можно найти нужную информацию на сайте.

Поделитесь с друзьями:

Считаете данную информацию полезной, тогда расскажите друзьям в соц. сетях.
Poznayka.org - Познайка.Орг - 2016-2022 год. Материал предоставляется для ознакомительных и учебных целей.
Генерация страницы за: 0.056 сек.